Lo mejor de esta semana

The night is short, walk on girl

Como si de un sueño se tratase; una noche entera de surrealismo a raudales y situaciones a cada cual más absurdas bajo un torrente de alcohol y una plétora de coloridos personajes entre los que sería complicado juzgar cuál está peor de lo suyo. Una noche que a diferencia de lo sugerido por el título, parece extraordinariamente larga a juzgar por la interminable sucesión de eventos que dejaría en pañales algunas de las más salvajes juergas universitarias que podamos añorar o (no) recordar.

La película, recientemente galardonada por los Premios de la Academia Japonesa como animación del año gracias a la brillante dirección del incombustible Masaaki Yuasa, está basada en la novela homónima del escritor Tomohiko Morimi, en la cual regresan algunos personajes que ya hicieron acto de presencia en su anterior trabajo, The Tatami Galaxy (también fue adaptado por Yuasa en un anime de 11 episodios), aunque las historias no están relacionadas más allá de compartir Kyoto como telón de fondo.

Este largo paseo en montaña rusa es un viaje que empieza en medio de la escena nocturna de Ponto-chō, burbujeante y emblemático distrito de Kyoto, especialmente entre aquellos a quienes les va la marcha. El itinerario incluye una boda, una danza de sofistas, una competición para ver quién bebe más, una feria nocturna de libros, un grupo de teatro de guerrilla, entre otras cosas. Nuestra heroína, a quien sólo conoceremos como la chica de pelo negro y la única que parece medio normal de toda la galería, sale dispuesta a darlo todo. Tras sus pasos va su Sempai, locamente enamorado de ella y con un supuestamente (in)falible plan marca Acme: urdir una serie de encuentros simuladamente casuales con el objetivo de hacerle creer a la inocente joven que están unidos por el destino. Huelga decir que no estaríamos hablando de una comedia si no se tratase de un plan que en lugar de haber salido con buena estrella, nació estrellado y carente de ciertas piezas de indumentaria.





El banquete está servido. En sentido figurado y literal: la puesta en escena es un festín para los sentidos. La inusual animación que ya lleva el sello de Yuasa, sigue aportando originalidad y frescura aunque ya estemos acostumbrados a su estilo, el cual es particularmente apropiado dada la naturaleza onírica y arbitraria de los eventos de la historia, con una fuerte carga simbólica acerca del paso del tiempo, la nostalgia, el amor y las relaciones personales. Relojes que avanzan a distintas velocidades. Una carpa de feria disuelta entre pájaros. La detención de actores renegados. Un sukiyaki (plato típico de cocina japonesa) al final de las escaleras de un edificio. Una meticulosa organización dedicada al espionaje de estudiantes. Un musical improvisado y una inesperada confesión de amor son las guindas del pastel gracias a la mágica banda sonora de Michiru Oshima. 

Nada tiene sentido en este vodevil donde sólo logramos encontrar la consistencia del  conjunto a través de la locura colectiva. The night is short, walk on girl campa a sus anchas sin necesidad de compartir espacio con nada que le pueda hacer sombra en un lugar intermedio entre la comedia romántica y el viaje ácido.

Ficha Técnica


Nombre Original: Yoru wa Mijikashi Aruke yo Otome 

Director: Masaaki Yuasa

Estudio: Science Saru

Año: 2017

Género: Comedia romántica

Categoría: Josei

Dragon Ball Super

Ya han pasado casi tres años desde que la Toei Animation sorprendiera a propios y extraños con el anuncio del regreso de la mítica serie de Akira Toriyama a la pequeña pantalla. Parece lejano, pero ahora que acaba de terminar el anime de Dragon Ball Super es buen momento para hacer balance de lo que hemos vivido en todos estos meses. Lo cierto es que pese al boom inicial, fueron varios los avisos que predijeron la vuelta de la serie. Primero con la película de la Batalla de los Dioses, donde nos presentaban un nuevo villano, el dios de la destrucción Beerus - que a la postre se convertiría en uno de los ejes centrales de la nueva serie- junto a una nueva transformación de Goku conocida como «Super Saiyan God», donde lucía un sorprendente pelo rojo que desafiaba las normas conocidas en la serie hasta ahora. Más adelante nos presentaron en la película de La Resurrección de Freezer otra nueva transformación del mítico villano, conocida como «Golden Freezer», y si todavía todo esto no nos había sorprendido lo suficiente, nos presentaron el estado superior del «Super Saiyan God», conocido como, atención: «Super Saiyan God Super Saiyan», acertadamente abreviado como «Super Saiyan Blue», y si, tal y como indica el nombre la nueva transformación de Goku tenía ¡el pelo azul! 

Con estas dos películas la maquinaria de merchandising ya estaba en marcha y Dragon Ball volvía estar en el candelero… algo estaba por llegar.

Y efectivamente entre este nuevo vaivén de transformaciones y colores de pelo llegó lo inminente: nueva serie de Dragon Ball sustituyendo la letra «Z» por la palabra «Super», y eliminando de un plumazo todo el legado dejado por esa otra serie ahora mejor recordada llamada Dragon Ball GT. Y es que Dragon Ball Super retomó los acontecimientos vistos en las dos películas mencionadas más arriba, cuyos hechos suceden justo después de DBZ y la saga de Majin Buu, invalidando de momento todo lo visto en GT. 

En el caso que nos ocupa, que es el manga, es importante saber que en contra de lo que suele ser habitual el anime de Dragon Ball Super se estrenó antes que el manga, por lo que va adelantado y los sucesos entre ambos cambian de manera sustancial, por lo que en estos momentos existen dos series diferentes de Dragon Ball Super que pese a compartir trama, la desarrollan de manera diferente, y en ocasiones incluso los acontecimientos se contradicen. Es importante señalar que el guion principal de la serie creado por Toriyama se desarrolla de manera más fiel en la historia del manga. Debido a un tema de derechos, la Toei dispuso de mucha más libertad de decisión a la hora de desarrollar la trama en el anime y eso se ha traducido en polémicas decisiones que a los fans les ha costado mucho entender (y otros directamente no han podido entenderlo por mucho que se hayan esforzado), a saber: desequilibrio de la pirámide de poderes, cambios en el diseño de los personajes, relleno, mucho relleno… y también una potente censura e irregularidad en la calidad de los dibujos que desmejoran bastante el resultado final.

Por el contrario todos estos problemas no se han visto en el manga original. La responsabilidad de transmitir el guion más fiel de Toriyama recayó en uno de sus alumnos más aventajados, Toyotaro, conocido en la red por ser el creador del popular manga fandom Dragon Ball AF (After Future). Con Toyotaro al mando nos hemos encontrado un manga perfectamente dibujado que en todo momento respeta la esencia de los bocetos del maestro Toriyama, cuidando principalmente el aspecto de los personajes, más parecidos eso sí a la etapa de la saga de Freezer, ya que todos tienen un aspecto más estilizado y con menos detalles en los músculos y rostros de lo visto en sagas como la de Majin Buu. Aún así hay importantes diferencias, ya que al fin y al cabo pese a ser aventajado, Toyotaro todavía no tiene el nivel de Toriyama, y eso se nota principalmente en las proporciones de los personajes respecto a los entornos, y también en los escenarios, con un acabado mucho más simple. Pero pese a esto, al menos Toyotaro se esmera mucho en no repetir los errores del anime, es decir, explica perfectamente los balances de poder y da sentido a las nuevas transformaciones ideadas por Toriyama, respeta los diseños originales de los personajes (incluso muchos de ellos han sido diseñados por el mismo Toyotaro), y desarrolla la trama de manera más adulta, eliminando lógicamente todo el relleno absurdo del anime y sin prescindir de cosas como la sangre en los golpes, consiguiendo que todo se sienta mucho más Dragon Ball Z, como si de verdad estuviéramos leyendo una secuela lógica del manga de Toriyama. De hecho hay transformaciones como la de Vegeta en SSGod (la del pelo rojo), que están presentes en el manga y no existen en el anime, o la transformación de Goku en SSBlue Full Power, cosa que por extraña decisión de la Toie, solo sucedió en el manga.

Así pues el manga de Dragon Ball Super dibujado por Toyotaro se desmarca en cierta medida de los acontecimientos vistos en el Anime y sigue su propio camino, que se volverá más relevante en cuanto supere lo visto en la serie dirigida por Toei Animation y empiece a mostrar sagas exclusivas, puesto que está confirmado que el manga continuará lo visto en el Torneo de Poder. Quizá esto ayude a que la vuelta del anime sea un poco más respetuosa con el guion oficial de Akira Toriyama, pues ya hay rumores que indican que la serie volverá alrededor de Abril del 2019. Hasta entonces seguiremos disfrutando de Dragon Ball Super a cargo de Toyotaro, sucesor oficial del autor original que tiene en sus manos la responsabilidad de mantener al pie del cañón la atención y popularidad de la serie en todo el mundo.

Ficha técnica


Autor Original: Akira Toriyama

Autor: Toyotaro

Editorial: Shūeisha

Categoría: Shonen

Publicación: V-Jump

Capítulos: 36 (En publicación)

Nov Ecc agosto'18


Ecc nos trae Nivawa y Saitô (Nagabe) y recuperan Una mujer de la era Shôwa (K. Kamimura), pero no es lo único que nos hace babear...

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Trailer de Halloween (2018)

La esperada continuación, con Jamie Lee Curtis. que encarna nuevamente a Laurie Strode. narrando los eventos 40 años después de lo acaecido en la primera entrega.

Adelanto oficial de youtube, agranden el video

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Koukyou Zen Vol 64

A pesar de que las lluvias a ambos lados del charco (en el caso de América, se acercan al invierno, o sea normales. En España el extraño monzón no nos abandona ;)) no dejan ver que el verano se acerca a la península, calentamos motores con nuestro número 64 y la portadaza de la autora Suki Manga.

Nuestros recomendaciones manga son:
-Dragon Ball Super a cargo de Tote.
-La Pequeña Forastera por Ysora
-Aula Demoníaca por Calistina.
-Duklyon, patrulla especial reseñado por Scabbers.

Hemos escogido estos animes para abrir boca:
-Colorful, por Ysora.
-The night is short, walk on girl, por Toshiko.
-Devilman Crybaby, escrita por Toshiko.
-Lily Cat es unuestro anime clásico a cargo de Scabbers.

En la sección de cómic contamos con:
-Persépolis, por Dita
-Ghost Wolf, por Calistina
-Neonomicon, por Ysora
-Dad, por Ysora.

También contamos con las entrevistas a nuestra portadista Suki Manga y al autor Ángel Hernández. Así mismo, podéis disfrutar de la novela visual The Hayseed Knight a cargo de Scabbers, de cine con De tal padre, tal hijo, por Dita e Ysora nos habla de El tren Nocturno de la vía Láctea en cultura oriental.

Esperamos que lo disfrutéis y nos vemos en septiembre.

Enlaces:

Calameo


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Mazinger Angels #1

A finales de los años 70 desembarcó en España la serie que cambiaría todos los esquemas de la infancia: Mazinger Z. Un público infantil (y juvenil) esperaba ansioso las aventuras de un héroe que no ponía la otra mejilla y lloraba, lo solucionaba a puñetazos; con robots de lo más variopinto, nos introducía también en la sutileza del ecchi en la figura de Sayaka.
Años después el autor Go Nagai recuperó esa parte más enfocada al personaje secundario y la fusionó con otra serie de culto nacida en los '80: Los Ángeles de Charlie.
Afrodita A reclama atención y Sayaka sigue en minifalda.

Las Mazinger Angels aparecen de repente, como un huracán cuando las necesitan. Sayaka, Hikaru y María reciben una nueva misión: alguien está reventando los cajeros automáticos a pesar de contar con los Guardians (robots vigilantes). Afrodita A, Diana A y Venus A pilotadas por las protagonistas entran en acción y se encuentran con un bruto mecánico muy sofisticado que pertenece a alguien que está recaudando fondos mediante los robos para financiarse una isla...

Go Nagai es el padre del mecha más famoso del mundo manga, Mazinger Z, que nació de una rocambolesca idea para escapar del tráfico de Japón. En 1972, saltaba a las páginas de la Shuukan Shounen Jump (Shueisha) y se convertía en un fenómeno tras ser adaptado al anime.
Pero su vertiente más ecchi siempre ha estado latente, ya que arrancó su carrera con Kikkai-Kun, una comedia con tintes sobrenaturales.

Y el ecchi y el harem le unieron al mangaka Akihiko Niina, cuya primera obra fue Tatabisou wa Neko Yashiki en 1995, así que juntos llevaron a cabo el spin off que nos ocupa acercando el género mecha al ecchi a pasos agigantados.
Un dibujo voluptuoso y exagerado donde las poses lascivas, eróticas incluso, ocupan páginas en detrimento de la acción en sí: parece más divertido verle las bragas a las protagonistas que una pose de combate. La acción se centra en los personajes, perfectamente reconocibles (y encontraremos viejos conocidos, como el barón Ashura) y la carencia de fondos, poco importantes para la historia.
Si Sayaka mostraba tímidamente sus "armas de mujer" en Mazinger Z, aquí tanto ella como sus compañeras, dejan poco a la imaginación.

Los fans de Sayaka Yumi están de enhorabuena. El personaje secundario de la saga de robots, toma las riendas para demostrar su poder. Una Afrodita A mejorada, con armas más potentes, toma el control con la ayuda de tres amigas: Hikaru, María y Jun (conocida de Great Mazinger y que pilota a Minerva X. Se incorpora a los Angels más tarde).
Todo el peso de la acción es dominado por el elenco femenino y encontramos guiños a varias series del sensei Go Nagai, como Cutey Honey, con la aparición de la protagonista Honey Kisaragi, Devilman, con Akira Fudo y sus demonios o UFO Robo Grendizer , con Duke Fleed.
Me gustaría destacar la perfecta fusión entre los dos autores, donde Niina aporta sus conocimientos en mecánica para el diseño de los robots, haciéndolos más creíbles y encajando a la perfección en la visión de Go Nagai y que disfrutamos en los extras al final del tomo.
Historias autoconclusivas con un final bastante previsible que sirven como lucimiento a los robots femeninos y sus pilotos, en los que no faltan clichés bastante machistas ya vistos en las obras de tinte ecchi.
La edición por parte de Ooso merece un punto y a parte. Cuidada, con papel de alto gramaje y respetando las onomatopeyas niponas, poniendo una descripción de qué significan exactamente, quedando acopladas a la viñeta, respetando al máximo la edición japonesa y contando con dos ediciones: una en español y otra en catalán.
Bajo la premisa de féminas al poder, solo nos queda disfrutar del recuperado universo Mazinger a golpe de teta.

Ficha Técnica
Nombre Original: Mazinger Angel

Autor: Go Nagai/Akihiko Niina

Género: Acción

Género: Mecha, Ecchi

Año de publicación: 2005 (Japón), 2018 (España)

Nº Tomos: 4

Editorial: Ooso Comics

Carmona en Viñetas 15 y 16 de junio

Con cartelazo de JAN, el evento Carmona en Viñetas para su IX edición, cuenta con un envidiable plantel de invitados de lo más granado del panorama español.
A continuación os dejamos los horarios de las actividades junto a los autores:

Viernes
17:45 Inauguración.
18:00 a 18:45 Universo 36. José Antonio Sollero, Jos, Rafael Jiménez, Román López Cabrera y Desiree Bressend
19:00 a 19:45 Sevilla se mueve. Fran Galán, Carlos Hernández, Abel Hippolito, Manuel Díaz y Sarah con H.
20:00 a 21:00 No disparen al Guionista. El Torres, Desiree Bressend y Fernando Llor.

Sábado
12.00 a 12:45 Fanzine time Presentación de la Máquina de Albóndigas, Harto de Extrebeo, Dos Viñetas y HormigAS
13:00 a 14:30 Más allá de Marvel y DC. Otras editoriales y otras experiencias en el mercado USA. CAFU, Fernando Dagnino, Eve Mae, Alberto Jiménez Alburquerque, Agustín Padilla, Sergio Dávila y Diego Galindo.

17:00 a 17:30 NEUH y la autoedición.
17:30 a 18:15 El cómic infantil y Juvenil. Juanfran Cabrera, Sonia Moruno, Pedro Rodríguez y Manu Gutiérrez .
18:30 a 19:15 Carlos Ezquerra y el Universo 2000 AD.
19:15 a 20:00 El cómic histórico Guillermo Mogorrón y el proyecto Blas de Lezo.
20:15 a 21:15 El cómic de superhéroes . Gabriel Hernández Walta y Carlos Pacheco.
21:30 Entrega premio a JAN.

Os recordamos que el evento tendrá lugar los días 15 y 16 de junio.

Nov Dibbuks junio'18


La editorial Dibbuks prepara el verano con suculentas novedades. La Segunda Venida de Alves y Caminador es una de ellas, pero no la única:

Junio 2018 Dibbuk s by KoukyouZen on Scribd

Trailer de Mega Man 11


Con la salida en Octubre para PS4, XBox, Switch y PC, Mega Man 11 nos presenta un adelanto de lo que se hallará en el juego, con las respectivas mejoras gráficas y novedades con los juegos anteriores

Fuente:blogiswar
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The Prince of Tennis

Si hay algún género dentro del mundo manga/anime que pocas veces defrauda, ése es sin duda el deportivo. Existen numerosas series que tratan casi todos los deportes modernos conocidos, siempre claro está desde la perspectiva de Japón, y que construyen alrededor de ellos conmovedoras historias que tratan sobre el esfuerzo y la superación personal, la amistad, la deportividad, la competitividad, etc. Por ejemplo tenemos en Captain Tsubasa (más conocido en tierras españolas como "Oliver y Benji") o en Giant Killing representantes del fútbol; a Slam Dunk o Kuroko no Basket en baloncesto; Eyeshield 21 en fútbol americano; Ookiku Furikabutte o Cross Game en béisbol, Hajime no Ippo en boxeo.... y muchos más. El anime que hoy os traigo trata por supuesto de otro deporte, esta vez el tenis, y nos encontraremos con otra interesante y entretenida historia sostenida por maravillosos personajes que a través del tenis conseguirán alcanzar sus sueños. Y si no al menos lucharán al máximo por conseguirlos. Como digo, un anime deportivo pocas veces defrauda, así que antes de seguir leyendo, la pregunta que te tienes que hacer es la siguiente: ¿te gusta el tenis? si la respuesta es afirmativa, tienes ante ti una serie que te hará disfrutar al máximo. Y si la respuesta es negativa, dale una oportunidad igualmente, quizá logre que empiece a gustarte. Esta es la historia de un chico que aspira a convertirse en el mejor jugador de tenis del mundo. Su nombre es Ryoma Echizen, y es conocido como: "El príncipe del Tenis".

"Aparece el Príncipe".


Ryoma Echizen es un chico de 12 años que ingresa en la escuela superior de Seishun Gakuen, también conocida como Seigaku, y decide apuntarse a su club de Tenis. Ryoma es el hijo de Nanjiroh Echizen, un antiguo jugador de tenis profesional que fue conocido como el mejor jugador de Japón, y uno de los mejores jugadores del mundo. Cuando era más pequeño, Ryoma vivía en EEUU, y a pesar de su corta edad, ganó varios de los torneos junior más importantes del país, por lo que fue bautizado con el nombre de "El príncipe". Una vez de vuelta en Japón, y pese a ser un estudiante de primer año, luchará por hacerse con un puesto titular dentro del Seigaku, y junto con sus compañeros se marcará una importante meta: ganar el torneo nacional de Tenis. Pero para llegar hasta allí, no solo tendrá que batir a sus compañeros para ganarse un puesto en el equipo, si no que también tendrá que derrotar a los mejores jugadores de los mejores institutos de Japón.

"Seigaku: el camino hacia la cima"




Como explicaba más arriba, el género deportivo raramente suele defraudar en su formato manga/anime, y casi siempre suele ser una apuesta segura en cuanto a entretenimiento y diversión. Pese a que es obvio que existen deportes que son más excitantes que otros, la verdad es que es de admirar la capacidad que tienen los autores japoneses de convertir una serie que prácticamente no tiene argumento en una historia emocionante y entretenida, recurriendo a los valores que las personas pueden adquirir practicando un deporte, como pueden ser la capacidad de autosuperación, la deportividad, la competitividad con los demás y con uno mismo... y las sostienen con unos personajes que en su gran mayoría suelen ser muy carismáticos, encerrando en cada uno de ellos varios de estos valores antes mencionados. En España, uno de los máximos representantes de este género fue la mítica serie "Oliver y Benji", que trataba el deporte rey en este país, el fútbol. Esta serie sin duda marcó toda una época durante varias generaciones de adolescentes que crecieron imitando las fantasiosas técnicas futboleras de personajes como Oliver Aton, Mark Lenders o Tom Baker. Tras este anime, poco a poco se fueron introduciendo más series sobre otros deportes, como pudo ser el mítico Chicho Terremoto o los vibrantes partidos de baloncesto de Slam Dunk. Pero cuando Internet empezó a ser accesible en todas las casas es cuando de verdad pudimos descubrir que Oliver y Benji no era más que la punta del iceberg de otras muchísimas series de género deportivo, que siempre han gozado de mucha popularidad en Japón, un país donde hasta tienen un día festivo nacional en honor al deporte. Tenemos que retroceder casi 15 años, para ver el nacimiento de la serie que nos ocupa, que según varias fuentes, fue una de las principales detonantes del importante aumento del interés por el tenis en los jóvenes japoneses, deporte que ya estaba en auge gracias a grandes tenistas japoneses de la época como Shuzo Matsuoka, que consiguió ganar en una ocasión al por entonces nº 1 mundial, Pete Sampras, lo que supuso un hito en todo el país.

The Prince of Tennis fue creado por el mangaka Konomi Takeshi en 1999, y publicado en la popular revista Weekly Shonen Jump hasta el año 2008, contando con un total de 42 volúmenes. Actualmente sigue activa su segunda temporada, "The New Prince of Tennis", publicada esta vez por la Jump Square, pero ya habrá momento para hablar de ella en el futuro. La serie tuvo un importante éxito comercial, alcanzando el puesto número 8 en un ránking de "los 100 mejores animes de Japón", publicado en 2006. Como todo manga popular, su versión anime no tardó en llegar, comenzando a emitirse en la cadena TV Tokyo en el año 2001. El anime consta de un total de 178 capítulos y 26 OVAs, que englobaron todas las temporadas del manga. Es importante indicar, no obstante, que el anime es ligeramente diferente al manga original, ya que como el mismo mangaka ha expresado alguna vez, él mismo quiso cambiar algunos acontecimientos para que los fans no vieran exactamente lo mismo que ya habían visto en el manga, y aprovechar para enseñar cosas nuevas. Los primeros 178 capítulos engloban hasta la final del Torneo regional de Kantou, y posee hasta 88 capítulos de relleno. También cambian algunas cosas del manga original, inventando nuevas técnicas en varios jugadores e incluso alterando resultados de algunos partidos, pero las cosas más importantes se mantienen y los cambios, pese a lo que pueda parecer, no destrozan la esencia de la serie, e incluso en algunos casos fueron hasta bien recibidos por los fans. Las 26 OVAs, por su parte, cubrieron todo el torneo Nacional, y fueron adaptadas unos años más tarde tras finalizar el primer anime por petición expresa de los fans, y fueron mucho más fieles al manga original, aparte de ser realizadas con una animación de mucha más calidad.





Mucha gente se preguntará qué es lo que hizo triunfar a un anime que trataba  sobre el tenis, a priori un deporte individual y puede que algo menos "vistoso" que otros deportes de equipo como pueden ser el fútbol o el baloncesto. La respuesta es muy sencilla: sus personajes. Pese a que como digo, el tenis es un deporte individual, en Japón en los años de instituto se juega a este deporte por equipos, teniendo cada colegio un club de tenis que lo representa en los principales torneos del país. Partiendo con esta baza, la serie nos muestra el tenis desde un punto de vista de equipo, en el que sus integrantes rivalizan de manera sana entre sí para aumentar lo máximo posible su nivel, y así poder vencer a los institutos rivales. Juegan tanto partidos individuales como a dobles, durante los tres años que dura el instituto. Así pues el principal pilar de la serie son los personajes, tanto los principales como los secundarios, e incluso los antagonistas. Todos tienen un carisma propio que consiguen que empatices con ellos, logrando mantener tu atención hasta el final de la serie, para poder ver si son capaces de conseguir sus metas. Quizá lo que más me llamó la atención en un principio del anime fue su protagonista principal. Normalmente en este tipo de género el protagonista es el típico "no-sirvo-para-nada y el deporte es mi única salida", ya sea el prototipo chico débil de instituto del que todo el mundo abusa (como pueden ser Senna de Eyeshield 21 o Ippo de Hajime no Ippo), o el típico matón de instituto (como el gran Hanamichi Sakuragi de Slam Dunk), pero que resulta que tienen una habilidad especial para ese deporte que hasta ese momento desconocían. Sin embargo, en esta serie el protagonista ya es un "pro" desde el principio, y actúa como tal, lo que hace que enfoquemos la psicología del personaje desde otra perspectiva. Aquí, Ryoma Echizen ya es conocido como el Príncipe del Tenis, y es casi perfecto en todo lo que hace, por lo que deberá afrontar otros problemas que ofrece el mundo de la competición como pueden ser la falta de motivación, el exceso de confianza o la excesiva arrogancia. Pero la serie no vive solo de su protagonista principal, si no que posee un abanico de personajes secundarios que pueden llegar a ser igual o incluso más carismáticos que él mismo. Todo el equipo de titulares del Seigaku poseen una personalidad única, diferente y definida, lo que nos permitirá vivir grandes momentos de emoción, humor y tensión, ya que cada uno afrontará sus partidos a su manera. Desde el capitán del equipo Kunimitsu Tezuka, que posee un carácter fuerte y serio, y es respetado por todos como el mejor jugador del Seigaku, pasando por todos los integrantes: Syūsuke Fuji, conocido como el prodigio del tenis japonés; Syuichiroh Oishi, subcapitán del equipo; Eiji Kikumaru, conocido por su juego acrobático, forma con Oishi la "Pareja de oro" del Seigaku; Sadaharu Inui, con su tenis de datos; Takashi Kawamura, que juega un tenis potente y agresivo; Kaoru Kaidoh, un chico solitario y con mal carácter que posee una envidiable ética de entrenamiento; y Takeshi Momoshiro, un muchacho alegre y extrovertido con un gran instinto para jugar al tenis, que además es el mejor amigo de Ryoma. Todos ellos con sus espectaculares técnicas nos brindarán impresionantes partidos contra personajes de otros institutos rivales que también gozarán de gran protagonismo en la serie, cada uno con una personalidad también muy marcada. Es raro decir esto, pero debido a este hecho, es muy probable que en ocasiones disfrutemos más de los capítulos de relleno que de los propios capítulos originales del manga, ya que en muchos conoceremos su día a día o la relación de amistad entre ellos, dando lugar a situaciones muy divertidas que nos harán cogerles un gran cariño.

Por supuesto como casi cualquier anime deportivo, existen los momentos en los que veremos auténticas técnicas que desafiarán todo límite humano durante un partido, ya sean con golpes poderosos que se clavarán en la pared, "drives" con todo tipo de efectos o saltos estratosféricos para acabar con un "smash" que dejarán hasta marcas en los suelos, pero todo esto es parte de su encanto. ¿Quién no recuerda el poderoso tiro del tigre de Mark Lenders o la catapulta infernal de los gemelos Terry? ¿o el Dempsey Roll de Ippo? pues aquí también habrán tiros imposibles como el "Cool Drive" de Ryoma, el "Tsubame Gaeshi" de Fuji o el "Boomerang Snake" de Kaidoh, que nos sacarán más de una sonrisa de incredulidad y emoción. Además como suele pasar en este género, el ver los partidos en anime da un valor añadido a la serie, ya que se hace algo menos pesado que el manga, que es todo más estático. Ahora bien, la animación en la primera temporada del anime no es nada del otro mundo, e incluso en algunos momentos puntuales es bastante pobre, pero aun así se puede seguir sin problemas, y en las OVAs sube bastante el nivel general tanto de dibujo como de animación, siendo una auténtica gozada en algunas partes. Por supuesto a nivel de sonido el anime cumple con muy buena nota, sobre todo en relación a los seiyuu, contando con actores de doblaje muy famosos como por ejemplo Ryōtarō Okiayu en el papel de Tezuka (también conocido en otros papeles como Toriko, Byakuya Kuchiki de Bleach o Yuu Matsura en Marmalade Boy, entre otros), Masaya Onosaka en el papel de Momoshiro (también conocido por Shinji Hirako en Bleach o Leeron en Tengen Toppa) o Hiroki Takahashi en el papel de Eiji (que dio vida a otros personajes famosos como Harima Kenji de School Rumble o Katsuya Jōnouchi en Yu-Gi-Oh!). La verdad es que todos rozan un nivel increíble. Y además la serie posee numerosos opening y ending, y melodías características que nos pondrán la piel de gallina en los momentos clímax de la serie.

En definitiva, The Prince of Tennis es un fantástico anime de deportes que mantiene el gran nivel del género y nos permitirá conocer numerosos personajes muy carismáticos, aparte de hacernos vivir situaciones de tensión y sobre todo de diversión, pasando un rato más que agradable delante del televisor. Tanto si te gusta el tenis como si no, es un shonen muy recomendable que además posee ese aroma de los animes de los años 90, con esa animación que aunque hoy en día esté un poco pasada de moda, conserva todavía su encanto. Una gran serie.

Ficha técnica


Nombre original: The Prince of Tennis.

Autor: Konomi Takeshi.

Categoría: Shonen.

Género: Deportes, comedia.

Estudio: Trans Arts.

Capítulos: 178 y 26 OVAs.

Año: 1999.

Entrevista a Javier Fernández

Javier Fernández es oriundo de Olesa (Barcelona) y estudió en la Escola Joso; poco a poco los superhéroes se apoderaron de su arte y tras Magneto, llegaron Doomed y Nightwing.

Sus alas le llevan a volar muy alto en el Universo DC.

KZ- ¿Cuándo decides que quieres ser dibujante de cómics?

JF- Pues fue hace tiempo, pero seguro que menos de lo que la gente pueda creer. Yo no me crié entre tebeos, quiero decir que mi casa no era el “clásico” ejemplo en el que de siempre hayan habido tebeos de Mortadelo y Filemón , Zipi y Zape… fue mi hermano el que me regaló el primer cómic cuando yo tenía 15 ó 16, no estoy seguro. A mí siempre me había gustado dibujar, pero no fue hasta ese momento que enfoqué mi afición al dibujo hacia los cómics.

KZ- De Barcelona a Granada hay un trecho. ¿Por qué Granada? ¿Por la cantidad de autores que hay, a ver si os pegáis algo?

JF- (Risas), que va, si hubiera sabido lo que aquí me esperaba aún hubiera intentado venir antes, (risas). 

El que llegara a Granada simplemente fue porque en un momento de mi vida necesitaba un cambio y la decisión de venir a esta ciudad fue porque mi abuela tiene un piso aquí, eso me aseguraba algo un tanto importante, no dormir en un cajero. Luego ya cuando llegué todo fue muy sencillo, a los que primero conocí fue a mis compañeros de estudio; Adrian Fernández, Jorge Jiménez y Javi Aranda. Realmente conocerlos a ellos ha sido a nivel profesional, una de las mejores cosas que me han ocurrido. Luego, bueno, ya sabéis el talento que hay en esta ciudad ( y la cerveza) es increíble como en una ciudad tan pequeña se concentra tanto autor ( y las tapas) con un talentazo que te hace sentir muy pequeño. Y es que aquí… joder que bien se vive.

KZ- ¿Cuáles son tus autores fetiche, los que te hicieron apostar por esta profesión? 

JF- Sin lugar a dudas, Marc Silvestri. Él era el dibujante del cómic que como os he dicho antes, me regaló mi hermano. Luego ya vinieron muchos otros como no puede ser, pero para mí, ese autor siempre tendrá algo diferente por eso, porque fue él, con su trabajo, me hizo interesarme por este medio.

KZ- Magneto supuso un must, pero también tocaste el mercado español y francés con Nuevas Hazañas Bélicas o la biografía de Amy Winehouse. ¿Qué tal la experiencia? ¿Qué mercado es más difícil?

JF- Decir que un mercado es más difícil que otro es decir que algunos son más fáciles que otros y eso se podría mal interpretar. Obviamente que cada mercado tiene lo suyo, sus luces y sus sombras, pero la exigencia a uno mismo no va con el mercado, va con la persona. Si a ti te da igual enviar algo que sabes que está por debajo de tu nivel te dará igual si trabajas con americanos o en mercado Franco Belga. 

Dicho esto, la experiencia de trabajar en esos dos proyectos que dices fueron bastante peculiares. En el caso de Nuevas Hazañas Bélicas el formato, apaisado, te obligaba a componer las páginas de una manera que jamás había hecho, eso fue todo un reto. Además, a la hora de documentarme para hacer ese tebeo aprendí bastantes cosas ya a nivel cultural. Eso es algo que adoro de esta profesión, la de cosas que aprendes cuando te documentas para un proyecto, ¡ni te imaginas la de reuniones de amigos que puede amenizar! 

Luego, el proyecto de Amy Winehouse digamos que empezó como una cosa y acabó siendo otra. Cuando me eligieron para que me encargara de ese biopic yo quería darle mi toque, mantener el fácil reconocimiento físico de Amy Winehouse pero intentar darle algo mío, tras ver que cada “toque personal” me lo echaban para atrás cambié el chip y se convirtió en un trabajo puramente alimenticio, “acabar y cobrar”. Pero aún y así, después de acabarlo (o eso creía yo) generó situaciones bastante curiosas. Pero de eso ya tal.

KZ- Y hablando de mercados. ¿Te gusta el manga? Si es así, ¿qué obra y autor son tus preferidos?

JF- Intento leer, pero por desgracia no me queda mucho tiempo para ello. Uno de los autores Manga que más me han enamorado últimamente es Inio Asano. Puede parecer que sus historias son un poco lentas o como las definió un amigo “ historias de gente que quiere hacer algo y luego nunca hace nada” pero a mí me encanta el ritmo de éstas y cómo sabe expresar emociones.

KZ- Doomed fue el primer personaje propio que te encomendaron. ¿Qué es lo que más disfrutaste de su creación?

JF- De Doomed lo disfruté todo. Desde el momento en el que Scott me escribiera por Facebook « ¿te interesaría crear un personaje nuevo para DC?» hasta el último trazo de la última página. Esos seis números me han generado situaciones de risa a carcajadas. Trabajar con Scott fue genial, estábamos en constante contacto por Facebook, hablando de lo que podíamos hacer con la serie, de qué personajes podíamos crear… Realmente lo disfruté muchísimo y mira, todo a raíz de un mensaje en Facebook que sinceramente, me dejó con el culo torcío.

KZ- Hablando de disfrutar. El proceso de dibujar un cómic pasa por varias etapas, desde el lápiz hasta el color, pasando por tramas, tintas… ¿Cuál es tu favorita y por qué?

JF- ¡¡¡EL ENTINTADO!!!

Eso es disfrutar por disfrutar; Ahora pentel, ahora Rotring, vaya, he visto estas plumillas y las voy a probar, ahora le robo una media a mi novia que esto para según qué efectos mola, cepillo de dientes, jeringuillas, cuchilla…

La mesa puede acabar pareciendo un vertedero, pero yo disfruto muchísimo con ésta fase, disfruto tanto, que si puedo, durante un tiempo de mi carrera me gustaría solo entintar.

KZ- Y llegamos a Nightwing. ¿Qué ha supuesto este superhéroe en tu vida? ¿Cuánto hay de ti en este personaje?

JF- (risas) Nightwing… Pues Nightwing y su relanzamiento, hasta el día de hoy ha supuesto el mayor logro de mi carrera. También me ha enseñado lo que es una larga continuidad con un personaje, como el cuerpo te pide hacer diferentes según qué cosas para no aburrirte e incluso, cómo el aspecto físico del personaje va cambiando. Son unos cuantos números los que llevo ya con el personaje y espero que sean más.

KZ- Desde Bryan Steelfreeze hasta Tony Daniel o Eddy Barrows, por citar alguno, todos contribuyeron a dar vida al alter ego de Grayson; a la hora de dibujarlo, ¿quién te ha influido más?

JF- Eché un ojo a lo que hicieron todos los autores que has citado pero sin sumergirme demasiado, la verdad. No le veo mucho sentido tomar como influencia para una serie a la etapa de otro autor en la misma serie. Creo que un relanzamiento es el momento para aportar cosas nuevas, claro que es bueno saber qué es lo que le dio éxito al personaje anteriormente, pero sin intentar copiarlo ya que ya no estarías pensando como tú piensas, estarías reprimiendo lo que vieron los editores y el porqué te eligieron para la serie.

KZ- Si te dieran carta blanca para hacer un cómic (guion y dibujo) ¿Qué obra te gustaría hacer? ¿Cuál sería el tema?

JF- Uf… me han hecho en varias ocasiones la pregunta y sigo sintiendo el mismo vértigo. Ojalá me viera capaz de contar mis propias historias. Hoy por hoy no contemplo otra forma de trabajar que la colaboración guionista/dibujante. Si algún día se me despierta ese gusanillo, te llamo y te lo cuento. (risas)

KZ- Llegamos al final y la pregunta estrella. Me gusta dibujar, tengo mesa, café, pijama,.. ¿Qué me dirías para alcanzar tu nivel?

JF- Seguro que todos los que tenemos la suerte de dedicarnos a esto profesionalmente en un momento u otro habremos recibido la misma pregunta por Facebook o alguna otra red social:

« ¿Qué puedo hacer para que los editores me hagan caso?»

“« ¿ Qué puedo hacer para mejorar?»

Yo me pongo en el pellejo de la persona que te escribe y pienso en cuando yo estaba en la misma situación, hacía esas preguntas a todo profesional que se cruzara en mi camino esperando una respuesta que me iluminara, algo que se me hubiera pasado por alto o simplemente, algo que no hubiera hecho hasta el momento. La respuesta a eso no puede ser más sencilla y cierta.

Dibuja, dibuja y dibuja.

Nightwing

Dick Grayson es ese personaje al que conocemos desde su más tierna infancia. Pasó de ser Robin durante su niñez, el fiel acompañante de Batman, continuó como Nightwing en su adolescencia (y agente 37) y sustituyó a Bruce Wayne como Batman. Recuperada su andadura como Nightwing, nos centraremos en la etapa Renacimiento, de la mano de los autores Tim Seeley, Yanick Paquette y Javier Fernández.

Dick Grayson vuelve a Gotham dispuesto a ser él mismo, a olvidar su identidad secreta. Spyral destruyó los archivos donde se hallaban las identidades de los superhéroes, así que nadie debería saber quién está tras la máscara. Pero el parlamento de los Búhos está dispuesto a apropiarse de los superhéroes y Dick Grayson les ha hecho creer que estará a sus órdenes como Nightwing, así que infiltrado como espía, tendrá en Raptor a su nuevo mentor, puesto que parece que no hace suficientemente el mal…

La trayectoria de Tim Seeley como guionista de las aventuras de Dick Grayson (Grayson, volúmenes del 1 al 17 o Batman and Robin Eternal) le hicieron el autor ideal para narrar el renacimiento de Nightwing.

Contando con los pinceles de Yannick Paquette (Tierra oscura con Alan Moore) y Javier Fernández (Magneto, Doomed),la historia ha ganado enteros en acción y dinamismo; si Paquette le otorga la fuerza necesaria, Fernández es artífice de la espectacularidad en su justa medida.

Sabiendo que Grayson es de los que vuelve y regresa y otra vez… El inicio de esta saga Rebirth no nos ha pillado por sorpresa.

Desde la que considero primera obra seria sobre el personaje que es Robin: Año Uno (de Javier Pulido y Marcos Martín), Dick Grayson es un personaje al que hemos visto crecer no sólo físicamente, sino como pilar fundamental en el universo de Batman. No obstante, se vio relegado tras The New 52 (Jim Lee y Geoff Johs) y volvió con fuerza en Forever Evil (G. Johs/Tomasi/Buccellato/Gates al guio y un nutrido grupo de dibujantes con David Finch o Jaime Mendoza a la cabeza) y recuperé la fe totalmente con Grayson (Tim Seeley/Tom King y el espectacular dibujo de Mikel Janin); sin embargo, confieso que el dibujo de Fernández me tiene atrapada; las volteretas imposibles se ven mucho más naturales en sus diseños y su narrativa mide a la perfección las secuencias de acción. El culo más perfecto del cómic vuelve para quedarse, aunque tengo un pero: en mi opinión, el color, que en ocasiones “tapa” la belleza de las líneas y borra algunas que, siguiendo el trabajo de Fernández, echo en falta. También es cierto que el entintado tiene altos y bajos, no en el caso de Paquette, pero mejora a medida que avanza el número.

La despedida de la vida como espía de Grayson y vuelta a Gotham afianzando los lazos con Damian Wayne y recuperando en definitiva las relaciones con los amigos y enemigos (Helena Bertinelli, la nueva cazadora de la que quiere despedirse, pero…) y la aparición de Midnighter.

La necesaria conversación con Batman para ver por qué debe volver a ser Nightwing. Para salvar al mundo.

Un renacimiento en toda regla, cerrando el pasado y abriendo las puertas a un ¿nuevo futuro?

A título personal, me encanta el nuevo elenco de artistas españoles que “pueblan” DC y partícipes en gran medida de su afianzamiento: Mikel Janin (Batman, Grayson), Bruno Redondo (Injustice), Jorge Jiménez (Smallville, Supersons) o Javier Fernández (Doomed, Nightwing), por citar algunos, son los nuevos abanderados de la elegancia en el cómic.

Bienvenido de nuevo, Nightwing.

Manga Silent Mobius QD finaliza en Junio

Si bien en Mayo del 2015 se anunció que llegaría al final, el manga siguió su curso, no obstante cuando se escribe la palabra "clímax" en katakana se hace en la mayoría de los casos una referencia a capítulo final, sea de la obra en cuestión o de su arco argumental.

 Luego de 17 años de los eventos de la serie original, un nuevo escuadrón de la AMP debe combatir a los Lucifer Hawks que retornan a Tokyo.

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Zetman

Los superhéroes no son un género que se haya tratado mucho en el manganime. Casos como Tiger and Bunny son una rareza, y aunque algunos temas de los héroes occidentales (la identidad secreta, salvar al mundo, el uniforme y los superpoderes…) están presentes en obras como Super Sentai o el género de las chicas mágicas, no hay muchas obras que hayan mostrado directamente este particular universo. Zetman, la adaptación del manga homónimo de Masakazu Katsura, es uno de esos intentos, y lo demuestra haciendo lo que mejor se les da a los mangakas.

Mandándolo todo a la mierda.


Jin y Kouga son amigos de la infancia. Uno es huérfano y vive con un grupo de vagabundos, otro es hijo de un millonario que le permite todos los lujos. Ambos tienen un deseo: proteger a la gente. Y cuando una misteriosa criatura asesina a los vagabundos con los que Jin vive, sus sueños se ven cumplidos con una sombría vuelta de tuerca. Conforme pasan los años Jin descubre que tiene un misterioso poder que le permite acabar con cualquier oponente que se encuentre, mientras que Kouga comienza a destinar fondos para cumplirse en un superhéroe real, una fiel reproducción de su ídolo de la televisión Alphas.




Teniendo en cuenta que la obra parte de un manga de 17 volúmenes y pendiente por concluir, el primer problema de Zetman surge con rapidez: 13 episodios son muy pocos para mostrar tanto argumento. Hay arcos enteros que se pierden para construir esta historia de sacrificio y auto-destrucción, y aunque el resultado es satisfactorio, el viaje siempre deja con ganas de más. Toda la acción pasa rápidamente sin que podamos detenernos para que desarrollen a los personajes o las situaciones. De pronto termina el primer capítulo y han omitido información que nos permita empatizar con los protagonistas. Termina la serie y se ha omitido información que nos permita empatizar con los personajes secundarios.

Y siendo como es esta una serie de personajes, esto no puede ser bueno.

Sin embargo, los planetas se alinean aquí y la obra consigue ser, con todo, realmente atractiva. Donde Gantz y Hellsing cayeron, esta prevalece. Se conserva suficiente de la trama original como para mantener la atención del respetable y los dos personajes principales están tan bien desarrollados que es inevitable interesarse por ellos. Esta cruel historia sobre el verdadero significado de la justicia es un ensayo en profundidad sobre qué está bien y qué está mal, las motivaciones que nos impulsan a actuar según lo establecido y la verdad sobre reclamar algo cuando se ha hecho la buena acción. Tras tantas obras hablando sobre la amistad, el amor, la violencia, la vida, la existencia y la sociedad resulta extraño que ninguna haya querido hablar sobre el concepto de la ley y la justicia en todos sus sentidos. Todos estos elementos, sumados a una más que notable ejecución audiovisual, se juntan para dar lugar a una obra particular, con un sabor propio y todos los ingredientes para trascender entre tanto anime genérico. La fuerza que exhiben los personajes cuando todo a su alrededor se desmorona (y Dios mío si se desmorona) hace que queramos saber más, y la naturaleza e identidad de las misteriosas fuerzas que operan detrás de los violentos “players” añaden ese clásico toque de incertidumbre que tanto caracteriza al manganime.

Zetman no es una adaptación perfecta de su fuente, pero viendo casos como Alien 9 o Narutaru sabemos que podía haber sido mucho, mucho peor. Es una magnífica introducción a uno de los grandes mangas del momento, y se sostiene en sus propios méritos como una obra corta pero intensa, una muestra de que siempre hay una carta bajo la manga de los autores japoneses.

Ficha Técnica

.Año: 2012

.Número episodios: 13

.Estudio: TMS Entertainment

.Autor: Osamu Nabeshima

.Género: ciencia ficción, drama

.Categoría: seinen

Els Segadors aterrizan en el cómic metalero


¿Qué pasa cuando se unen unos músicos metaleros y un autor de cómic fan del metal? Pues que más allá de echar chispas (que seguro que también) suelen salir proyectos interesantes, como cuando se juntaron Juanjo Guarnido y Freak Kitchen y sacaron un fabuloso video.
En esta ocasión, el autor Mike Ratera hace su particular versión del himno de Els Segadors en formato cómic de 4 páginas.
A Sound Of Thunder dentro de su álbum It was Metal financiado mediante micromecenazgo, incluirá una novela gráfica de la que es partícipe el autor catalán.
Con un personaje principal cuyo nombre es Reaper Girl, el particular estilo de Ratera se deja sentir junto a su musa, la modelo Seffana Seff, en quien se ha inspirado para la sangrienta batalla que tuvo lugar en 1640 en la que los campesinos se sublevaron contra Felipe IV. Dadas las últimas circunstancias que acontecen en territorio catalán, es un buen momento para sacar la novela (todo y que estaba prevista antes de las votaciones del ya famoso 1 de octubre) ya que la banda tiene su versión metalera de Els Segadors.

Actualmente Mike Ratera está enfrascado en su nuevo artbook en el que cuenta nuevamente con Cris Ortega como colorista en sus portadas (habrá tres, una para cada edición: normal, tirage de tète y de lujo).
Os dejamos el enlace de la fantástica entrevista que le hicieron A Sound Of Thunder a Mike Ratera, todo un revolucionario ;)

The wicked + the divine

Cada 90 años, un grupo de dioses conocidos como Panteón, se reencarnan bajo la atenta mirada de Ananké, su guía en el proceso. Así, gente normal es tomada por esas divinidades que en dos años morirán para renacer más adelante.

En esta ocasión, la acción se traslada al 2014, en donde vemos que Laura Wilson, que ejerce como primera narradora de la historia, es una gran seguidora de la diosa Amaterasu. En uno de sus conciertos conocerá a otro dios reencarnado, Lucifer, con el cual entablará cierta relación, a través de la cual la protagonista se verá inmersa en el desarrollo de una serie de acontecimientos que precipitarán la historia y que la sumergirán en el mundo del Panteón.

The wicked and the divine es una serie creada por Kieron Gillen y Jamie Mckelvie para la editorial americana Image. Comenzó su publicación en junio del 2014 hasta la actualidad y cuenta con un total de 27 tomos (y creciendo) con periodicidad mensual, en los que pueden leerse diferentes arcos argumentales. En los  mismos, iremos conociendo a nuevos dioses renacidos, otros que mueren y algunas referencias a anteriores “recurrencias” (nombre que se le otorga a las resurrecciones cada 90 años).

Esta historia presenta un panteón compuesto por varios seres que corresponden a las diferentes mitologías mayoritarias de la humanidad: la grecolatina, la nórdica, cristiana e incluso asiática, entre otras. En este punto coincide en cierta medida con otra obra también conocida por incluir en Estados Unidos la mitología occidental, American gods, de Neil Gaiman, que “rescata” a una serie de divinidades y las presenta intentando encajar como pueden en la sociedad actual. Mientras que en la novela de Gaiman se nos presenta a los “antiguos dioses” de forma muy poco ventajosa frente a la aparición de otros nuevos (El mundo, Media…), en el cómic los dioses, al reencarnarse en su mayoría en jóvenes adolescentes, dan paso a un recordatorio de las mitologías clásicas y diferentes creencias en la actualidad con un puntito de acción en esta revisión muy a la americana del mito.

El dibujo, a cargo de Jamie Mckelvie, es de clara influencia americana, aunque con cierto estilo personal más indie que el que encontramos en cómics de superhéroes. Los colores de Matt Wilson y la rotulación a cargo de Clayton Cowles acaba de darle un toque personal a la estética de The wicked and the divine, exponiendo los cánones de moda de las diferentes tribus urbanas que van apareciendo en la obra. 

Sin duda me he quedado corta a la hora de describir uno de los cómics americanos de la línea alternativa, con un universo rico que, aunque basado en la mitología, explora luego diferentes caminos, que bien podría compararse en ejecución y creación al multipremiado y conocido Saga de Vaughan y Staples.

The wicked and the divine es uno de los cómics más esperados del 2017 por muchos aficionados. No defrauda y engancha con la sucesión de la acción y la intriga que, muerte tras muerte, se va forjando.


Ficha Técnica


Título Original: The wicked and the divine

Autores: Kieron Gillen, Jamie McKelvie

Editorial original: Image 2014

Editorial española: Norma editorial 2017

ISBN 978-84-679-2599-9

Precio: 18 €

Llega Lezo, el cómic


¿Qué es Lezo?
En realidad, es un nombre. Blas De Lezo, almirante español que dirigió junto al virrey Sebastián Eslava la defensa de Cartagena de Indias del ataque británico en el siglo XVIII.
Su babaje histórico da no para un cómic, para toda una saga, así que el proyecto de Guillermo Mogorrón (Marvel), Ramón Vega (Fundación Museo Naval) como documentalista y Ángel Miranda (‘Espadas del fin del mundo’) al guion, promete.
Nota de prensa y enlace al crowfunding:
La primera parte de un cómic épico sobre la Batalla de Cartagena de Indias (1741) ha comenzado su andadura. La novela gráfica desarrollará una trama apasionante que profundiza en el drama que vivieron sus protagonistas, encabezados por Lezo y Vernon, dos viejos enemigosde gran carácter. La historia no olvidará a los habitantes de la ciudad fortificada, los naturales de aquella tierra y los soldados de ambos bandos.
El proyecto se plantea desdeun tratamiento actual y espectacular, lleno de acción y cargado de detalles históricos fruto de un riguroso trabajo documental. Narrará el increíble asedio de la flota inglesa sobre el enclave español, en el que la resistencia se presentaba inaudita frente a un ejército diez veces mayor. Una encrucijada que marcó la historia moderna. Esta hazaña, en la que 6 barcos y 3.000 hombres vencieron a 186 embarcaciones con 30.000 soldados, ha sido rescatada durante los últimos años en numerosas novelas, pero es la primera vez que será contada a través de imágenes. Su protagonista, Blas de Lezo, ha saltado a la fama como una de las figuras soterradas de la historia de España. La vida de este extraordinario marino se forjóennumerosas batallas, donde perdió una pierna, un ojo y la movilidad de un brazo. De ahí que hoy le apoden el medio hombre. Para documentar el cómic se ha realizado una profunda investigación que recurre a fuentes originales procedentes de una decena de países: documentos de archivo, cartas de los protagonistas, lienzos de época, inventarios, diarios… Un estudio heterogéneo nunca visto hasta la fecha, que incluye datos botánicos, antropológicos, médicos o de arquitectura… Acceso a fuentes inéditas para un trabajo histórico riguroso, sin sacrificar por ello un buen argumento cargado de gancho y emoción que ahonde en el conflicto y sus protagonistas.

Campaña de mecenazgo
El cómic acaba de lanzar una campaña de micro-mecenazgo con la que busca recaudar los fondos necesarios para poder publicar la obra. A través de un crowdfunding, los mecenas podrán reservar un ejemplar a un precio menor al que se venderá en tiendas, con su nombre impreso en los agradecimientos y con recompensas especiales como páginas originales, mapas de la batalla, aparecer en una viñeta o una réplica de las míticas monedas acuñadas por los ingleses cuando se creyeron vencedores.

Actualmente pueden leerse gratuitamente las primeras páginas de la obra en la web del proyecto o en su página de Facebook.
Los autores ya realizaron con gran éxito una campaña similar en 2015 para editar el cómic histórico ‘Espadas del fin del mundo’, que muestra el desconocido enfrentamiento entre soldados españoles de la época de los tercios y piratas japoneses en las islas Filipinas a finales del siglo dieciséis. Fue una de las campañas de micro-mecenazgo más exitosas de un cómic publicado en España.

Enlace a Verkami
Tráiler:

La 3ª edición del Madrid Otaku revela contenidos

Coincidiendo con el 150º aniversario de las relaciones entre España y Japón, el Madrid Otaku revela cartel a cargo del magaka Makoushi (doujin Red Ribbon Revenge), uno de los invitados al evento.

A continuación, la nota de prensa:


La Asociación Cultural Nippon tiene el placer de anunciar la tercera edición de Madrid Otaku, el evento manga, anime, videojuegos y cultura japonesa, que se celebrará los días 16 y 17 de Junio en el Pabellón de Cristal del Recinto Ferial de la Casa de Campo en Madrid.

Queremos invitaros a todos a participar en esta tercera edición en la que seguimos contando con el apoyo de la IOEA (International Otaku Expo Association).

La tercera edición de Madrid Otaku contará con un stand oficial de 1st Place, productora japonesa de “IA” y “Kagerou Project” entre otros. En él los visitantes podrán adquirir las últimas novedades de merchandise oficial de IA y Kagerou Project, además de poder aprender a usar el soundbank de IA con Vocaloid en los talleres que se impartirán en el stand. En esta edición también contaremos con grandes invitados, como por ejemplo el grupo japonés “Iron Attack!”, un grupo otaku especializado en arreglos de piezas musicales que aparecen en la franquicia Touhou Project. Activos desde 2007, ha sido grupo intivado al JAPAN EXPO de París y realizado un exitoso tour mundial en países como Japón, Alemania, Suiza, Francia, China, Taiwan, etc. Las ventas de discos en Japón ascienden a más de 4000 copias por título.



Haruka

Del mundo de la música también contaremos con Haruka, una cantante, guitarrista y compositora de gran reconocimiento en Japón. Debutó con el single “Mune ni Kibo o (Keep Hope in Your Heart)” bajo el sello japonés “Pony Canyon”, que fue usado como tema para el opening del anime “Blue Dragon”. Más tarde realizó su segundo single, “Kimi no Mikata (On Your Side)” y tras ello terminó su relación con “Pony Canyon”. Tras cinco años retirada del mundo de la música, Haruka volvió a la industria tras darse cuenta de que su vida residía en la música. Despidiendose de su trabajo corriente con la canción “Goodbye! My Office!”, volvió al escenario con la publicación de su disco “Hymns To My Soul” en el año 2013. En Octubre de 2014 publicó su segundo disco “Anthems”, por el que recibió muy buenas críticas, iniciando así giras en Japón, Indonesia y Europa. En 2017 publicó su último disco “Unite!” con éxitos como “The Song of Smartphones” y “Brand New World”. Continuamos el repertorio musical con nuestra siguiente invitada. Yoneyama Shiori, más conocida como Yonechi, es una intérprete y profesora japonesa del Oboe. Nació en la prefectura de Shizuoka, lugar de visita obligada para los amantes de los animes “Love Live! Sunshine!!” y “Chibi Maruko-chan”. Al inicio de 2016, su actividad en internet comenzó a llamar la atención del público japonés y debutó como invitada en el mismo año en el evento "Stella Stage 2", celebrado en Hong Kong. También ha realizado actuaciones en los eventos "Mt. Fuji Cosplay World Conference", "Bokura no Lovelive" (un evento exclusivo de “Love Live!”) y "Cosidol be Star" en Taiwan. También ha participado en el Comiket con su grupo de Doujin "Boe-live".


Por otro lado, queremos anunciar que en esta tercera edición de Madrid Otaku, estará presente nuestro ya amigo Makoushi. Mangaka japonés que publicó su primer trabajo en forma de manga en la revista “Action Young”, perteneciente a la editorial “Futaba” en el año 1998. Participó en el año 2013 en el diseño de personajes y objetos del juego “Himegoe”. Entre otras obras destaca su trabajo dentro de “Red Ribbon Revenge” y la autoría de diversos carteles y posters, entre los que destaca el cartel de las tres ediciones de Madrid Otaku. Makoushi contará con stand propio, además de participar en diversas actividades que serán anunciadas puntualmente. 

Nuestra siguiente invitada es la idol española Anzu Lilia. Proveniente de Murcia, tras dedicar su vida a la música, alcanza su sueño y se lanza a Japón como cantante, debutando el 22 de Marzo en el país nipón con su primer CD, de la mano de HAF RECORDS (Tokyo), junto a quienes trabaja actualmente. Su último proyecto ha sido la participación en el videojuego Osomatsu-san THE GAME como cantante en su último PV.

También contaremos con la presencia de Fanny, cosplayer valenciana que ha sido representante española en los concursos internacionales Eurocosplay en 2013 y Dreamhack World Cosplay Championship en 2017. 

Y como segundo cosplayer invitado también contaremos con Narcy, un cosplayer valenciano que prepara cosplays desde el año 2011. Siguiendo la temática cosplay tenemos el honor de contar con la presencia de la revista japonesa COSplay MODE Magazine, más conocida como COSMODE. Fundada en 2002 por “Eichi Publishing” y con una periodidad trimestral, la revista COSMODE se especializa en el mundo del cosplay. Además de información sobre la confección de los cosplays, pelucas, maquillaje y otros consejos para cosplayers. Para esta edición de Madrid Otaku presentarán una exposición con fotografías de la revista. Las famosas marcas de moda japonesa “Listen Flavor” y “Galaxxy” estarán presentes en el próximo Madrid Otaku gracias a sus representantes en Europa “Keep It Secret”.



El evento tendrá lugar el 16 y 17 de junio en el Pabellón de Cristal, Casa de Campo.

Los ignorantes

¿Qué pueden tener en común a simple vista el mundo del vino y el del cómic? En un principio nada, exceptuando el dulce momento de leer un buen cómic acompañado de una excelente copa de vino. Sin embargo, Étienne Davodeau nos cuenta que hay tantas maneras de hacer un cómic, como de crear un vino. 

     ¿Por qué alguien decide dedicarse a cualquiera de estos dos mundos, que requieren un alto grado de pasión y un poquito de locura?  Tras esta premisa, el autor desarrolla una historia con unos componentes que no parecen casar demasiado, pero que van maridando a la perfección en una novela gráfica sorprendente en muchos aspectos.

Argumento


     La historia de Los ignorantes es sencilla: Étienne Davodeau, reconocido autor de cómic francés, desea ampliar sus conocimientos sobre vino, así que acudirá a Richard Leroy, un exbanquero que se dedica a la viticultura biodinámica y le propone algo curioso: una iniciación cruzada en la que Davodeau se ofrece a trabajar gratis un año para Richard a cambio de introducirle a él también en su mundo, el del cómic. Sorprendido ante tan extraña propuesta, Leroy acepta y se inicia un proceso de aprendizaje mutuo en el que el autor lo plasma todo en la novela gráfica que tenemos entre manos.

Opinión


     Cuando abrí el cómic, sinceramente no las tenía todas conmigo. Qué decir, el mundo del vino es para mí tan interesante como puede resultarme una masterclass de la reproducción del cangrejo americano (con todos mis respetos). Me llamó la atención lo de “iniciación cruzada”, aquello de ver desde una óptica similar a la mía (la de un aficionado al cómic sin idea alguna del mundo del vino)  los secretillos de la viña. La historia arranca con algo tan importante como la poda de las vides, a la vez que se presenta de forma paralela el trabajo de la imprenta, y así alternativamente, dando a conocer las dos experiencias al lector. 

El tono de la narración se mantiene en el mismo nivel todo el rato y no flojea en ningún momento, lo cual permite transportar al lector de un tema a otro con gran fluidez. Es interesante ver también cómo, desde una óptica de principiante, van surgiendo temas cada vez más complejos, como el debate sobre la utilización o no del azufre, o qué clases de cómics se publican, todo amenizado con las opiniones sinceras de Davodeau o Leroy acerca de sus impresiones. 

Además es interesante también ver cómo multitud de autores de BD famosos van haciendo su aparición a lo largo de la historia, como Lewis Thondheim, Gibrat, Guibert y hasta un Guarnido a lo lejos o un Moebius citado como un excelente dibujante y creador de historias. 

El arte de Davodeau es amable y sin estridencias, muy posiblemente porque quisiera dar preponderancia al guión antes que a la imagen, la cual utiliza más como apoyo que como verdadera protagonista. Nos encontramos ante dibujos realistas y coloreados con aguada sepia que transmite las sensaciones y situaciones sin necesidad del uso del color. La composición de la viñeta es muy sencilla: sólo se observa el uso del 3x2 con viñetas rectangulares, en un máximo de seis en donde hay diferentes variaciones como de 1/2/1, 1 ilustración a página completa, 2/1/1, etc.

Los ignorantes ha sido publicado en nuestro país por la editorial La Cúpula y vio la luz por primera vez en el 2012. Desde entonces ha contado con varias ediciones, con una primera en cartoné y ya después en rústica, bajo el sello de “cosecha 2015” o  “cosecha 2016”, que es con la que cuento yo. La edición es correcta, con una buena resolución de tintas, un buen gramaje del papel, y una encuadernación que aguanta a pesar de ser rústica fresada.

Como palabras finales decir que Los ignorantes es una excelente novela gráfica, muy recomendable tanto para lectores de cómic como para recién iniciados, y también para lectores con inquietudes sobre el mundo del vino que quieran aprender de este mundo de una forma original y amena.

Ficha técnica


Título Original: Les ignorants

Autor: Étienne Davodeau

Editorial original: Futurópolis 2011

Editorial española: La Cúpula 2011. Edición actual 2016

ISBN 9788415724735

Precio: 19,5 €


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