Lo mejor de esta semana

Noticias de "Silver Spoon"

En la entrevista que Hiromu Arakawa ha dado a la revista Febri, a la venta desde el 18 de abril en Japón, se dan varios detalles del manga "Silver Spoon" y sobre todo de su finalización.

La mangaka quería presentar principalmente al personaje protagonista, Hachiken, en su primer año en la escuela agraria Ohezo hasta llegar al segundo y tercer año, que era donde originalmente quería parar la trama. Sin embargo, parece ser que la autora seguirá un poco más y veremos a los personajes más allá de la secundaria.

Actualmente se encuentra con los storyboard de los últimos capítulos del manga, que estaría previsto terminar en su tomo  15. En la actualidad faltaría un capítulo para el tomo 14 y 9 para el tomo 15.

La autora también se ha comprometido a una nueva serie con la editorial Square Enix, la cual ya le había publicado la conocidísima FullMetal Alchemist, pero todavía no se conocen los detalles de la nueva serie, ya que ni la misma autora aún lo ha decidido.

Fuente: mangamag

Mirai Nikki

Hoy nos complace presentaros un anime bastante peculiar. Peculiar en el buen sentido, claro está. Más que nada, porque mantiene una de las historias más originales hasta la fecha (y eso que hemos visto unas cuantas). Os hablamos de Mirai Nikki (Diario del Futuro).

El anime está basado en el manga del mismo nombre, escrito e ilustrado por Sakae Esuno. Fue editado en la revista Shōnen Ace desde el 26 de enero de 2006 hasta el 27 de diciembre de 2010, y compilado en 14 volúmenes publicados por Kadokawa Shoten, incluyendo dos historias paralelas, Mirai Nikki: Mosaic y Mirai Nikki: Paradox. La edición en España ha corrido a cargo de la editorial Ivrea.

Como dato curioso, deciros que en noviembre de 2008, el séptimo volumen del manga figuró como el vigésimo primer manga más vendido en Japón, en donde se mantuvo en el top 30 durante esa semana, a pesar de que bajó al puesto 25º.

Para poneros un poco en situación, esta historia nos presenta a nuestro protagonista masculino, Yukiteru Amano, un estudiante de segundo año de secundaria solitario e introvertido. Este chico gasta todo su tiempo escribiendo un diario en su móvil (¿dónde quedaron los antiguos cuadernos con el candado medio roto?) y su único amigo, supuestamente, es un producto de su imaginación: Deus Ex Machina, el Dios del Tiempo y el Espacio. Sin embargo, un buen día este dios le da al diario de Yukiteru la habilidad de ver lo que sucederá en los siguientes noventa días en el futuro y enrola al muchacho en un torneo a muerte donde deberá luchar por su vida contra los poseedores de otros diarios similares (junto con él, suman doce en total).



Esta es la trama principal: un juego mortal de supervivencia, donde los poseedores de los diarios deben matarse unos a los otros hasta que solo quede uno (cual película de los Inmortales, sin ir más lejos), porque de lo contrario, el mundo se acabará. Sí, se acabará. Pero ¿por qué? Pues porque Deus Ex Machina está muriendo, y necesita un sucesor que controle tanto el espacio, como el tiempo. Ahí es ná.

Tal como habíamos dicho, nos centraremos por ahora en el protagonista masculino: Yukiteru. Es de los personajes principales menos carismáticos que hemos visto. Posee un carácter sumiso, tranquilo y, sobre todo, asustadizo. No tiene ningún plus a su favor. Ni siquiera su inteligencia es algo que destaque en él. Posee el «Diario del Observador» y su gran desventaja es que no le dice lo que le está sucediendo a sí mismo en el futuro, lo que le hace vulnerable. No obstante, para protegerse de los demás poseedores de diarios que intentaran asesinarlo, este chico utilizara a Gasai Yuno, una chica también poseedora de un diario y que está enamorada de él.

Y aquí llegamos a uno de los puntos más fuertes de éste anime: la protagonista femenina, Gasai Yuno. Esta chavala de melena rosa y mirada siniestra, es una auténtica psicópata en potencia. Cuando decimos “psicópata en potencia”, estamos siendo más que considerados, teniendo en cuenta su grado de locura. ¿Recordáis, por un casual, al conejo siniestro de la película de Donny Darko? Vale, pues esta chica es como doscientas veces peor que ese terrorífico orejudo. Cuando veáis este anime, entenderéis por qué os decimos esto, creednos.

Debido a que nuestra “dulce” protagonista, poseedora del “Diario del Amor” (sin comentarios), -objeto que le permite saber lo que el chico está haciendo o lo que le sucede cada diez minutos- acosa de manera constante a Yukiteru porque está obsesivamente enamorada de él, Yukiteru sabrá sacar partido de esto, puesto que utilizará a Yuno con el mero propósito de sobrevivir para las batallas contra otros usuarios de diario.



Y ahora, ¿qué ocurrirá? Pues os diremos que la historia mezcla la intriga, el suspense, el drama y la acción. Incluiríamos también amor, pero, si nos permitís la opinión, sería demasiado enrevesado. También advertimos que pertenece al género gore y thriller psicológico. Es decir: sangre, sangre y más sangre. A esto, le sumáis cabronadas que jamás esperaríais y escenas que puedan dañar la sensibilidad del espectador, y ya tenéis un Juego de Tronos en versión anime (aunque sin ese aire medievo-novelesco). Con esto, os decimos todo.

La adaptación del manga al anime fue producida por Asread y dirigida por Naoto Hosoda, y consiste en veintiséis episodios emitidos a partir del 10 de octubre de 2011. El diseño de los personajes corrió a cargo de Eiji Hirayama y Ruriko Watanabe, y un episodio piloto de ocho minutos fue incluido con la edición limitada del volumen once del manga, publicado el 9 de diciembre de 2010.

¿En resumen? Mucha acción, metodología de estrategias que asombran, animación muy bien realizada en las escenas de acción y, un gran punto a favor, es que comparte gran similitud con el manga. Realidad, locura, trastornos de la mente tanto en el interior como en el exterior, y más de un deseo reprimido de querer ser alguien diferente a lo que eres y no aceptas.

¿Nuestro nivel de recomendación?: en esta ocasión, nos quedaremos con un «aceptable».


Entrevista a Antonio Altarriba

Por Miguel  A. Alejo

“Los premios animan a muchos autores a continuar en una tarea exigente y mal pagada”


Antonio Altarriba es uno de los guionistas españoles más conocidos. Ganó el premio Nacional del Cómic en 2010 con una historia sobre su padre,  El Arte de Volar con los pinceles de Kim. Junto a este autor cerró el círculo con otro cómic exitoso, El Ala Rota en este caso sobre su madre. Si el autor de cómic está mal reconocido socialmente, más lo está el guionista pero Antonio Altarriba sí ha sabido salir de ese oscurantismo. Además de guionista ha sido profesor universitario, guionista de fotografía y escritor.  

Quien quiera disfrutar de  y escucharlo hablando de su proceso creativo la cita es en la librería Piccaso de Granada, mañana martes a las 19:00 h. junto con el dibujante Sergio García.  Además firmará su obra.

Varias de sus obras tienen numerosos premios, ¿Para qué sirven realmente esos reconocimientos?

No son meramente decorativos. En absoluto. Para mí tienen una gran importancia. El cómic es un medio falto de incentivos y de reconocimientos culturales, con una industria todavía precaria. Los premios animan a muchos autores a continuar en una tarea exigente y mal pagada.

 ¿Dónde los coloca, en el cuarto de baño como Marlon Brando con su oscar?

Entre las flores. Tengo un salón lleno de macetas y ahí, camuflados en la hojarasca, separando un poto de una orquídea, se distingue el brillo de algún trofeo. Tengo la impresión de que se llevan bien con las plantas. Las plantas ocultan el tesoro y el tesoro se va haciendo ecológico.  


Además de guionista y de escritor también ha sido director de antologías literarias, guionista y director de antologías, ¿ no son las labores más desconocidas y menos reconocidas? 

Ahora empieza a reconocerse la labor y la importancia de un guionista. Que, desde luego, es mayor que la de un recopilador de antologías. Con él comienza la historia y de él dependen muchos aspectos de la narración.

La colaboración con el dibujante Kim con el que has desarrollado dos cómics  extraordinarios, ¿debe ser muy fácil?

Pues sí. No solamente porque se implica en la historia y resuelve gráficamente con maestría. Ama a los personajes y se ve en la manera de moverlos dentro de la viñeta. Es uno de esos dibujantes con los que tu guión crece.

Acaba de publicar Cuerpos del delito con el dibujante granadino Sergio García, ¿cómo ha sido la gestación del comic?

La idea surgió de él, que es muy creativo y con una gran inquietud investigadora. Le gusta trabajar sobre lo que él llama “contenedores de historias”. Es una forma de jugar e implicar soportes y formatos para que el argumento adquiere una nueva dimensión. Estas aventuras siempre me gustan y me impliqué con un guión a desarrollar dentro de una silueta muerta. 

¿Es el cómic más vanguardista y en el que juega con el lenguaje del comic que ha publicado?

Es muy innovador, pero en los años ochenta trabajé con Luis Royo unos guiones muy visuales, surrealistas y al límite de lo narrativo. El proyecto con Sergio funciona de otra manera. Con una complementariedad entre texto e imagen muy novedosa.

Complementa escribir novelas con escribir guiones, ¿son complementarias de verdad?

Son dos actividades bastante más distintas de lo que puede parecer. Un guión trabaja con una narrativa visual, que ahora me interesa muy especialmente. Expresividad, iluminación, composición, planificación te permiten contar sentimientos y situaciones con una gama de matices muy rica

¿Cómo compagina esa labor literaria con su labor educativa. Ve entre sus alumnos futuros escritores-guionistas?

Me jubilé hace tres años. En activo no podría llevar con tanta intensidad la actual dedicación al cómic. De todas formas, no vi entre mis alumnos, sobre todo de las últimas promociones, afanes creativos. Menos aún en el campo del guión. Como profesor, intenté introducir alguna asignatura que abordara esta forma de escribir fundamental en nuestro mundo narrativo (cine, teatro, series, video juegos, cómic). Nunca lo logré. 

Feria del Libro de Buenos Aires 2017


Feria del Libro de Buenos Aires 2017

 La Feria del Libro, lugar emblemático para la cultura, libros de cada provincia, autores, ofertas y títulos difíciles de conseguir, todo en el Predio de la Rural...y mucho más. Como cuaderno de propaganda está bien pero ¿qué hay en realidad dentro de la Edición n° 43? La Feria es enorme, con 45.000 m2 era casi obligatorio priorizar donde visitar, los stands se encuentran separados en diferentes zonas y con el mapa es relativamente fácil hallar lo que se desea, la contra es que la variedad a los alrededores te "marea" y las ganas de abarcar todo es una tentación.

Grandes editoriales hacen presencia casi todos los años (Planeta, Colihue, El Ateneo, Sudamericana, Distal) con buena predisposición, aunque (todo hay que decirlo) las ofertas son prácticamente nulas, los títulos son variados pero no hay precios que deseen abrir la billetera salvando raras excepciones.

Hay pasillos donde se aprecian nuevas editoriales independientes, terreno que aumentó con los años y abarcando una buena porción del mercado, con precios accesibles.

Para los adolescentes que deseen lectura relacionada con monstruos zombies y vampiros, lo tendrán de maravillas, títulos que emulan tapa como Crepúsculo y afines atiborran las bibliotecas, la única cosa en contra es que se venden por sagas, pocos unitarios.

Con los 50 años de la publicación de "Cien años de soledad", el libro de Gabriel García Márquez estuvo en boca de todos, con variadas ediciones y homenaje en varios stands. También es de mención el hecho de encontrar reediciones de grandes clásicos, si bien son conseguibles en la mayor parte de librerías de Avenida Corrientes, éstas tiradas son ejemplares de lujo de autores con muchas obras y famosa trayectoria sean Charles Dickens, Víctor Hugo, Alejandro Dumas, o autores más cercanos como Stephen King, Arturo Pérez-Reverte o Salinger.

 Novelas como Drácula en tapas duras hacen una delicia al paladar del que escribe.  

“Colecciono dragones desde que era niño. Siempre me cayó mejor el dragón que el caballero.”  Carlos Ruiz Zafón
 
Desde que abren las puertas hay colas en algunos sectores para que los autores firmen; John Katzenbach (Hart's war, The Madman's Tale) fue el abanderado este año pues su público esperó horas con un libro entre sus manos para tener firma y alguna frase en las páginas iniciales.
Una virtud es que no mostró ningún apuro pese a la multitud, y prometió una segunda parte de su novela más famosa: "El psicoanalista".

A metros pasó Carlos Ruiz Zafón, el escritor español más leído luego de Cervantes, quien firmó muchos ejemplares de la cuatrilogía Cementerio de los libros olvidados, siendo "La sombra del viento" el que más se veía entre las manos de los seguidores.  

Quino con sus 83 años estuvo otro día durante dos horas en Editorial De la Flor, con Mafalda como estandarte, su personaje emblemático. También nos topamos con Ciruelo, vendiendo en persona libros, carteles y láminas de dragones, los seres donde se destaca con los lápices y pinceles que lo hicieron famoso.

Ameno y nota de color es que por primera vez se inició la inclusión de equipos de fútbol, apareciendo futbolistas, relatores y figuras del pasado para evocar momentos y de paso charlar con los hinchas del club, estando cuatro equipos este año: Boca Juniors, River Plate, Huracán y Newells. Cada stand con libros, campeonatos y demás merchandising.

 ¿Y el manga? No puede faltar, Larp Ediciones, A4 o La Revisteria tienen mucha variedad que cambia según la empresa: Marvel, DC, mangas japoneses, tebeos españoles y franceses, una inmensidad. Con los siempre bien recibidos Batman y X-men también vemos Red Sonja, Asterix (Deluxe), 20th Century Boys, Claymore, Arrugas (Paco Roca), Curiosity Shop (del cual hemos hablado en la Revista), From Hell, y una muy deseada recopilación de Nippur de Lagash, rica en detalles.  

“La literatura es contar cómo te fue en Estambul, sin haber ido nunca a Estambul.” Alejandro Dolina
 
Artistas del pincel y músicos mostraban sus obras en los espacios de Santiago del Estero, Mendoza, San Juan y demás provincias, diversidad de manualidades para los niños en áreas adaptadas con mesas, otros autores daban notas para la televisión; la política no quedó fuera de campo con salones y butacas para ello. El cine y todo lo relacionado con el séptimo arte tuvo su espacio, así como el teatro y la poesía.

Excelente para relajarse, pasear con calma y ver si hallamos algo que nos apasione, nos llame y obligue a comprarlo, nos vemos en otro número.

Parasyte

Si hay algo en lo que no pensamos es en la normalidad. A diario, sin darnos cuenta, damos por sentadas miles de cosas tales como «las aceras no cambian de sitio por sí mismas», «la fresa no sabe a vainilla los jueves», o «en las zonas urbanizadas somos la cima de la cadena alimentaria». El punto base del terror radica tanto en que las cosas que damos por sentadas de pronto dejen de estarlo, como en el último ejemplo citado. Y esto es lo que sucede en la cinta que nos ocupa hoy, Parasyte, de Takashi Yamizaki.

La cinta comienza planteándonos una pregunta acerca de si la devastación que causa el ser humano se reduciría si se redujera también su número. Durante la noche, una serie de criaturas del espacio, similares a gusanos, llegan a la Tierra y se cuelan en viviendas. Allí, se introducen en el cuerpo de algunos humanos a través de las orejas o la nariz para apoderarse del cerebro. Uno de estos parásitos llega a la casa del protagonista, Sinichi, pero éste duerme con los auriculares puestos y al intentar colarse por su nariz, el joven despierta y se defiende. Al gusano no le queda más remedio que atacar la mano del protagonista y producir allí su maduración. Al no llegar al cerebro de su huésped, parásito y portador conservarán intactas sus personalidades y podrán aprender mucho el uno del otro. Desgraciadamente, su caso no será común y muchas personas morirán a manos de parásitos, tanto en calidad de huéspedes o como alimento.

Parasyte nos presenta una situación de terror alienígena vista ya en otras ocasiones, en la cual el humano, cabeza de toda la civilización y cazador por antonomasia, pasa a convertirse en presa. Desde cintas tan celebradas como Alien o Depredador hasta producciones más baratas como Lifeforce-Fuerza vital o las cincuenteras The blob-El terror no tiene forma o La invasión de los ladrones de cuerpos, todas nos presentaban una pregunta, no por muy tratada menos aterradora, ¿y si nosotros mismos fuésemos la especie amenazada?




No obstante, a diferencia de las producciones anteriormente citadas, Parasyte nos ofrece un nuevo punto de vista y es el del propio cuerpo extraño que llega a colonizarnos. Migi, la mano derecha parasitada del protagonista, tiene consciencia de sí mismo y no comprende el escrúpulo de su portador sobre que se alimenten de carne humana, de la misma manera que nosotros no solemos entender que alguien nos cuestione comer carne de animal.

En este aspecto, Parasyte, aunque trate un tema manido, lo hace desde una perspectiva interesante y alejada del paradigma que el cine norteamericano da a este tipo de producciones. Mientras que en el cine occidental el invasor es rápidamente descubierto, cercado y finalmente destruido por las fuerzas del orden de la Tierra o por el héroe o heroína, aquí nuestro protagonista intenta continuar su vida normal, por más que sepa que es imposible; los invasores proceden con violencia y en un principio sin prudencia alguna, pero la policía tarda muchísimo en darse cuenta de qué sucede realmente, y toma las muertes por asesinatos en serie. No obstante, como toda forma de vida, Sinichi y Migi lucharán juntos por su supervivencia, aunque no se producirá ninguna multitudinaria batalla épica entre los invasores y la Humanidad. 

Parasyte está basada en el manga homónimo de Hitoshi Iwaaki, que se editó durante finales la década de los ochenta en la revista Afternoon hasta su final en 1995. Ya a principios de la década del 2000 surgieron los rumores de una adaptación cinematográfica en imagen real, si bien no fue hasta 2014 que se estrenó, casi de forma paralela a la adaptación en anime, con la que se encuentran varios paralelismos. Parasyte tuvo una secuela al año siguiente, en 2015, dirigida también por Takashi Yamazaki.

Al ser tratada de un modo oriental, los actores nos resultan fríos y poco expresivos, y el argumento, aunque tenga momentos de batalla y violencia, es más filosófico que de acción o aventura. No obstante, su duración comedida y los toques de humor a cargo de Migi la hacen ligera y fácil de ver y aún entretenida. Los amantes de la ciencia ficción y del terror pasaremos un buen rato con ella, y los posibles agujeros del plan de los parásitos no serán advertidos hasta que ya hayamos terminado de verla. Por si acaso recordad que, a diferencia de lo que digan papá o mamá, dormir con los auriculares puestos puede ser una práctica muy saludable.

"Cuando usted quiera, Sargento Pembree" Si no coges esta frase, tienes que ver más cine.

Nov ECC Junio(II)'17


Llega la 2ª tanda de novedades para junio con la línea manga capitaneada por Usamuru Furuya y su obra La cruzada de los inocentes

201706_02ComunicadoNovedades by KoukyouZen on Scribd

Nov Fandogamia Mayo'17


Tras el día del cómic gratis, en el que pudimos disfrutar del primer capítulo de Trampas Agridulces, nos llega la nota de prensa de Fandogamia:

Para Fandogamia la temporada de eventos ha terminado hasta septiembre (salvo por nuestra presencia en Japan Expo y Hobbycon durante julio). ¡Es hora de ponernos las pilas con los lanzamientos que tenemos programados para cuando volváis de vacaciones! Pero aún tenemos varias cartas bajo la manga antes de que llegue ese momento... y este mes lo hemos teñido de rosa con dos shôjo.

LANZAMIENTO: TRAMPAS AGRIDULCES

¡La obra debut de Ando Mai en España! Este tomo único con tres historias independientes, publicadas originalmente en la revista ShoComi (Shogakukan) tiene todos los ingredientes para encandilarte. ¡Romances y situaciones muy MUY comprometidas que no te puedes perder! El avance de este cómic, que salió en papel con motivo del Día del Cómic Gratis, está también disponible en versión PDF.

Ando Mai nos presenta tres historias autoconclusivas en este tomo recopilatorio que harán que te derritas. La primera es la que da nombre al tomo, Trampas Agridulces, en la que un amigo de la infancia vuelve, y... ¡ahora es guapísimo! Y claro, ¿qué puede hacer Momo contra eso? En la segunda, "¿Me puedo derretir?", Mana tendrá que hacer frente a los encantos del Príncipe Cremoso. Y en la tercera y última, "El triángulo secreto del desamor", Rio debe esconder sus sentimientos por Ryuhei por el bien de su amiga, Nanami. 26 mayo en tiendas

REIMPRESIÓN: CORAZÓN DE MELÓN #3

¡La obra más vendida de las incombustibles Xian Nu Studio! Reimprimimos el tercer volumen (y con esta tirada llevamos 34000 ejemplares de la colección) de esta historia de "elige tu propia aventura", misterio y pasteleo puro.

¿QUÉ NOS QUEDA POR VER ANTES DE VACACIONES?

¡En junio, dos grandes comedias sobrenaturales! El primer tomo del manga picantón LOVE IN HELL y el esperado estreno de CAZAFANTASMAS con EL HOMBRE EN EL ESPEJO, cuyo avance ya regalamos en el Día del Cómic Gratis y pronto tendremos también online. Y en julio... ¡el tercer y último volumen de MONSTER×MONSTER! ¡¿Podrá nuestro NINI hacer algo de provecho con su vida?!

Termina "Last Hero Inuyashiki"

El manga de Hiroya Oku, autor de Gantz, Last Hero Inuyashiki, terminará en su décimo tomo que será publicado en Japón para finales de septiembre u octubre.

La serie terminará su prepublicación en la revista Evening el 25 de julio.

En España este manga está siendo publicado por la editorial Milky Way.

Fuente: mangamag

Historias de un espejo

Aunque es cierto que sus grandes títulos abarcan enormes cantidades de tankoubons como InuYasha (56 tomos), Ranma 1/2 (38), Urusei Yatsura (34) o la actual Kyoukai no Rinne (con 33 tomos y aún en curso), Rumiko Takahashi también es una profesional en plasmar sus artes en relatos cortos. Historias de un espejo posee 6 pequeñas obras de la autora.

Aquí visualizamos pequeños destellos que ilustró en el periodo de 1999 a 2014, cada uno con su imprenta particular: fantasmas, maldiciones estrafalarias, asesinatos y persecuciones, pero todo ello añadiendo malentendidos, romance y comedia. No hay narración gráfica que no posea su sello: la gracia estará presente en cada suceso.

En el primero de ellos, denominado "El espejo" conocemos a Eito Izumida de 15 años, quien posee en su mano un invocador en forma de óvalo. Con ello es capaz de percibir y "exorcizar" demonios, entes que se pegan al cuerpo de personas inclinándolas a hacer el mal. Cuando descubre que Nana Ake tiene su mismo poder, se aliarán para hacer frente a un asesino.

La segunda entrega es "Revenge Doll", donde un mangaka recibe una muñeca Sanjusama, supuestamente con el poder de maldecir a tres personas. Aunque es algo menor, es divertido ver al dibujante con decenas de defectos: es orgulloso, insolente, celoso, provocador y no desea ver a nadie encima de su puesto de trabajo, y con estas "cualidades" empieza a usar la figura del ocultismo.

Continúa con "La estrella de mil rostros": una actriz que está a punto de grabar la última escena de una novela exitosa huye del canal. ¿La razón? Cree que mató accidentalmente a su productor. Y para colmo su compañero de actuación está enamorado de otra mujer, ¿qué es verdad detrás de escena?

"Bella Flor" es la cuarta ficción, personalmente creo que es la más floja de todas. Aquí Rikako siente un olor fétido en una nueva variante de flor, sin embargo todos a su alrededor huelen un aroma maravilloso. A esto hay que emparentarlo con un acosador que le envía extraños mensajes a su mail.

La quinta historia es la más loca de todas y es Takahashi en su vertiente más pura. "With cat" narra el odio de Shita hacia los felinos y su relación amor-odio con una amiga de la infancia dueña de Torachiyo. Cuando el gato está a punto de morir decide instalarse en su brazo y hay que descubrir la manera de que viaje al cielo... o se quedará en su brazo para siempre.

Por último, hallamos el obsequio final "My sweet Sunday" pero aquí hace dupla con Mitsuru Adachi, el creador de Touch!, H2, Cross Game y varios títulos donde el tema fundamental es el baseball y el romance. Es una especie de autobiografía en donde observamos los comienzos de ambos autores, sus relaciones con el mundo editorial, los demás dibujantes que conocerán en diferentes épocas que abarcan desde sus respectivas infancias y la secundaria, hasta el estrellato de cada uno. Cierra como si fuera un oneshot colaborativo y se autoparodian, en el cumpleaños N° 50 de la Shonen Sunday.

Como epílogo se puede decir que está excelente en su conjunto, con más de veinte páginas a color, lo cual es de agradecer en un tomo de casi 200. Son pequeñas joyas en la gran masa de títulos de Rumiko, incansable guionista y dibujante. Vemos que brilla en cualquier ambiente y sale con la cabeza alta. ¡Nos vemos en otro número!

"Mirai", la nueva película de Hosoda

El conocido director de películas de animación como "El niño y la bestia", "Summer Wars" o "Wolf Children", Mamoru Hosoda, anuncia que está trabajando en un nuevo proyecto tal y como podemos ver vía el portal americano Variety.

Se trataría de "Mirai" (título provisional), en la que está trabajando junto a Studio Chizu y será presentada en Cannes por Charades y se espera para mayo del 2018.

En "Mirai" veremos las peripecias de un niño de cuatro años que está esperando al nacimiento de una nueva hermanita. De repente las cosas cambiarán cuando descubra una puerta en el patio trasero de su casa y pueda ver a su madre de pequeña y a su bisabuelo de joven, lo cual le prepararán para la llegada del nuevo miembro de la familia. 

El director japonés ha dicho que se ha basado en una experiencia personal como padre de dos niños pequeños y aunque parezca dirigida al público infantil, "Mirai" tendrá ese matiz que tienen todas las películas de Hosoda que la acercan a todos los públicos.

T.37 de Astérix a finales de año

Llega un nuevo tomo de las aventuras de los dos galos más famosos de todos los tiempos. Para finales de año, más concretamente para el 19 de octubre, saldrá a la venta en Francia el tomo 37 de Astérix el cual llevará como título "Astérix et la transitalique", lo que vendría a ser traducido como "Astérix y la transitálica".

En esta nueva aventura, Astérix y Obélix conocerán a los itálicos, los demás habitantes de Italia que no son romanos y que tampoco quieren ser dominados por las legiones de Julio César.

De nuevo este tomo corre a cargo de Jean-Yves Ferri y Didier Conrad que toman el testigo de Uderzo y Goscinny dando vida a los dos conocidos galos.

En España las aventuras de Astérix están siendo publicadas por la editorial Salvat. Teniendo en cuenta la trayectoria de los dos anteriores números, es muy posible que nos tomemos las uvas de final de año con un nuevo albúm en su edición española.

El Heroes Con Madrid'17 desvela a sus primeros invitados


El pasado Salon Del Comic de Barcelona pudimos disfrutar de la presencia de Frank Miller. Tuvo que quedar contento del recibimiento porque repite, pero esta vez en Madrid.
Estos son los primeros (que no los únicos...) invitados al Heroes Con Madrid:

Paul Renaud y la actriz/cantante Ingvild Deila, son por el momentos, los artistas confirmados.
El evento tendrá lugar los días 11 y 12 de noviembre en el IFEMA

Arthus Trivium

Los Ángeles de Nostradamus


«Muy pocos son los que han querido darse cuenta de la terrible amenaza que se cierne sobre la Tierra. Un planeta acosado por genocidios diabólicos, con el riesgo continuo de una nueva hecatombe mundial. En los albores del III Milenio, la morada madre está devastada por la destrucción y el saqueo de sus recursos naturales.»

Testamento de Michel Nostradamus.


Tras buscar minuciosamente, no he encontrado ninguna profecía donde nos hable de Arthus Trivium y sus dos grandes autores: Raule y Landa. Así que, veamos si estos discípulos estarán a la altura del maestro.

Corre el año 1565 y la obra Profecías de Michel Nostradamus no hace más que acrecentar su fama. Su ayuda es requerida cada vez con más frecuencia, pero la edad no perdona y necesita apoyarse en sus jóvenes aprendices. Arthus Trivium, Angélique Obscura y Angulus Dante son los escogidos para recorrer el país y desentrañar los enigmas que se presentan sin encontrar explicación científica o religiosa.

Del guionista Raule conocemos su trabajo en series como Isabellae (con Gabor) o Jazz Maynard (con Roger Ibáñez); perfeccionista en su metodología, sus obras tienen siempre un componente histórico y otro de libre albedrío donde su imaginación da alas a hechos fácilmente contrastables o personajes reales.

Juan Luis Landa es ese dibujante que todos querríamos como vecino para que nos decorara las paredes (porque la Capilla Sixtina ya está pintada). De líneas limpias y versátiles, cada viñeta suya es perfectamente enmarcable y una obra de arte por sí misma. El uso del color, las luces, esos detalles que hacen real una historia y que nos trasladan al siglo XVI y a las devastadas calles del país vecino. El prólogo es de otro grande, Enrico Marini, cuyo dibujo tiene líneas parecidas, da muestras de lo que nos espera a nivel artístico. Tanto con Raule como con Landa tenemos entrevista en este número, así que me voy a centrar en la obra.

Raule tiene un sentido del humor que se deja ver en todas sus obras. Los nombres de los tres discípulos (el apellido más bien) quiere evocarnos “el lado oscuro”. Trivium en latín se puede traducir como Cruce de Caminos. Obscura, no necesita traducción y Dante es el nombre del autor cuya Divina Comedia nos trasladaba desde el purgatorio hasta el ¿9º Infierno? (Dante Alighieri).

Illuminare Abscondita Rerum (iluminar las cosas ocultas) es la premisa de esta historia y esta cita está en la portada posterior de este primer tomo. La visita de Charles IX, Rey de Francia, desvelará hasta qué punto Scaliger, maestro de Nostradamus (y personaje real: Giulio Cesare Scaligero, médico condecorado por Maximiliano I) tendrá que ver con los sucesos futuros. La magia de un personaje como Nostradamus nunca perece y en este caso, sus aprendices cogen el testigo, dejando su nombre en un más que digno lugar.

Este primer tomo estuvo durante semanas en las primeras posiciones de venta en el país vecino. Por algo será (aparte de por el buen gusto) y el segundo volumen le va a la zaga (aquí aún tendremos que esperar).

Así que mientras esperamos el desembarco del segundo tomo con el posible título de El Tercer Mago (traducida de la franco-belga) y en cuya portada vislumbramos a nuestro protagonista rodeado de un fantasma, os invito a descubrir esta obra en la que no falta de nada: narrativa frenética, dibujo espectacular, acción y ese toque de humor que la hace más amena si cabe.

Entrevista Juan Luis Landa

Por Calistina

Desde Koukyou Zen nos acercamos al creador de la obra Arthus Trivium, Juan Luis Landa. Oriundo de Rentería, dejó sus estudios en la metalurgia para aterrizar en el mundo de la ilustración de la mano de la revista Ipurbeltz, y desde entonces el humor y sobre todo las ganas de dar a conocer la cultura vasca le han llevado por los derroteros del cómic. La citada Arthus Trivium se alza como su obra estrella.

KZ- ¿Qué hace que un estudiante de química metalúrgica se decida por la ilustración?

JL-Sería largo de explicar. Yo fui estudiante de química por circunstancias que tienen que ver con mi débil carácter cuando contaba apenas 15 años de edad. Era un chaval, entonces no creía posible enfocar mi vida profesional por lo que era realmente mi gran pasión desde niño, que no era otra que la ilustración y el cómic. Estudié química metalúrgica porque era una de las opciones que había cerca de mi casa en Rentería y que tenían buena salida laboral en aquella época de principios de los 80. Pero lo que cambió mi vida fue que justo al terminar los estudios tenía sobre la mesa dos ofertas de trabajo, una como químico en una empresa de Andoaín, y otra para hacer animación en la primera película de dibujos animados de Euskal Herria y me decanté por la segunda. Era 1984, el año en que empecé como profesional, una decisión de la que nunca me he arrepentiré.

KZ- Has tocado palos tan distintos como la historia (GABAI o Ignacio de Loyola), el humor (en el diario Egin) o ilustraciones infantiles (NUR). ¿Con cuál te sientes más cómodo?

JL-En estos 32 años me ha tocado dibujar de todo. Empecé como he comentado haciendo dibujos animados. De ahí pasé al cómic y del cómic a la ilustración. He tocado como se dice todos los palos, y con todos he disfrutado mucho pero si tengo que entresacar alguno de ellos me quedo con la ilustración de carácter histórico. Me apasiona recrear la historia, devolver a la vida antiguos mitos del pasado y dar mi particular visión de aquellos acontecimientos a través del dibujo.

KZ- Albert Uderzo (Astérix) fue una gran influencia constatada en Gabai. ¿Quién más te sirvió de inspiración? ¿A quién admiras?

JL-La época de Gabai es muy especial para mí. En esa serie escrita por Rafael Castellano realicé mi primer álbum de cómics. El equipo de dibujantes que tomábamos parte en aquella serie teníamos como referencia a los grandes Uderzo y Franquin, pero yo personalmente tenía los ojos clavados en José Ángel Lopetegui, un gran compañero de aquel equipo de dibujantes de y quien aprendí mucho en mis primeros años de profesional.

Admiro a muchos. El mundo del cómic y la ilustración está poblado de impresionantes artistas cuyas obras deberían estar en los mejores museos del mundo. Podría decir muchos nombres pero si hay uno por quien siento admiración absoluta es por el ilustrador británico Alan Lee.

KZ- En Irati comenzaste a trabajar con un guionista, Joxean Muñoz y has comentado en alguna ocasión que el guion te hace dudar mucho. ¿Hasta qué punto resulta enriquecedora la experiencia de que “otros piensen” y tú dibujes?

JL- Siempre he sido una persona muy crítica con mi trabajo. Esto que en cierta manera puede ser positivo, pues hace que luches por superarte, la contrapartida es el riesgo a que surja la inseguridad. Es lo que me pasó con el guion de El ciclo de Irati. Efectivamente aunque la idea original de la serie y el guion del primer álbum El despertar del Autza son míos ya para el segundo álbum decidí contar con la colaboración de Joxean Muñoz. Joxean entendió perfectamente aquella idea original y fruto de ello fueron los guiones de los tres siguientes tomos, guiones excelentes que guardaban su personalidad propia pero a la vez sin salirse de la ideal original de la serie. Descubrí que sus guiones alentaban más mi imaginación. Aunque siempre me ha apasionado escribir mis propias historias y darles vida por medio de las viñetas aprendí que podía ser más enriquecedor trabajar con un guionista.

KZ- 1512 in Memorian era tu última obra publicada y de eso hace casi cuatro años. ¿Qué te hizo aceptar dibujar Arthus Trivium?

JL- Después de 1512 in Memoriam tomé un descanso tras una larga etapa de mi vida profesional en general enfocada sobre todo a la historia y la mitología de Euskal Herria. Necesitaba dar a conocer el fruto de mi trabajo más allá de nuestras fronteras, por eso decidí intentar volver al mercado europeo tras una larga pausa de 21 años, un reto profesional que ya afronté entonces con la serie El ciclo de Irati que por diferentes circunstancias no tuvo demasiado recorrido y dejé morir. Se me quedó aquella espinita clavada desde entonces. Más de dos décadas después pensé que me encontraba en el mejor momento para afrontar de nuevo aquel reto. Por eso me puse en contacto con Raule, un guionista que conocía a la perfección aquel mercado pues no en vano tenía ya dos series en la calle, Jazz Maynard e Isabellae , dibujadas por dos grandes artistas, Roger y Gabor respectivamente. A Raule también le pareció interesante trabajar conmigo. Me preguntó qué quería dibujar, yo le dije tres palabras: historia, aventura, renacimiento. A la semana me llegó la sinopsis de lo que sería la serie Arthus Trivium, una serie donde además de la historia y la aventura, el misterio y la intriga venían a ser parte de su trama. Iba más allá de lo que andaba buscando. Así pues nos pusimos en marcha con gran ilusión y aquí estamos.

KZ- Siguiendo con los discípulos de Nostradamus. ¿Cuál es la página o páginas que te han sido más difíciles de dibujar y por qué?

JL- Sin duda alguna las páginas de acción. Yo no estaba acostumbrado a las viñetas de acción que contienen violencia. Requieren de una gran maestría si se quiere plasmar en ellas la fuerza necesaria que exige el guión y los guiones de Raule contienen importantes dosis de ello. Algo que me gusta de Raule es que es muy exigente con el trabajo del dibujante. Acostumbrado como estaba al soberbio trabajo de Roger en Jazz Maynard, una serie donde la acción es su mayor distintivo, no podía esperar menos de mí en Arthus Trivium. Me ha puesto un listón muy difícil de superar pero a base de mucho trabajar creo que voy superando cada vez mejor el combate que tengo con las escenas de acción.

KZ- Tu dibujo es muy realista, sigues haciendo originales a mano aunque luego los escanees y colorees; el mercado franco-belga valora muchísimo los originales y los pagan bien. ¿Vas a hacerte un castillo vendiendo tu arte?

JL- (Risas) No, ni mucho menos. La venta de originales de cómic parece ser un mercado en alza pero donde una vez más la competencia es feroz. No es fácil vender un original y su valor depende básicamente de la relevancia que haya tenido ese cómic en el mercado en términos de venta, un mercado saturado de publicaciones de rebosante de magníficos artistas.

La venta de originales supone para el artista en general un aporte económico que ayuda a que los números cuadren, es decir, a rentabilizar el inmenso esfuerzo en horas de trabajo que implica la realización de un cómic.

KZ- Recientemente ha trascendido la noticia de un nuevo evento en Donostia: un nuevo Salón dedicado al manga y al cómic. ¿Crees que hay demasiados eventos parecido? ¿Hacen falta más o separar cómic de otras aficiones?

JL- No sé, es interesante que una ciudad como Donostia albergue un acontecimiento de este tipo y me consta que hay gente tras este proyecto que está dejándose la piel para conseguirlo. Pienso que lo importante no es si hay demasiados salones del cómic o no, sino su trascendencia a la hora de contribuir a difundir este gran arte. Si lo consiguen todo lo que se haga en este sentido será bienvenido.

KZ- Hablando del momento actual del cómic en España. Cada vez parece más que os llega el reconocimiento, aunque previamente tengáis que triunfar fuera para que se os reconozca aquí. ¿Seguimos siendo Bienvenido Mister Marshall? ¿Te sientes profeta en tu tierra? ¿Qué le falla al sistema?

JL-Qué puedo decir… la verdad es que nunca he vivido aquí en treinta años de profesional las sensaciones que he experimentado con Arthus Trivium en los once meses que lleva publicado en el mercado europeo. Sentir el calor de los editores, de los lectores, su admiración y aprecio ante un trabajo por el que he decidido entregarlo todo. Leo incontables críticas sobre nuestro trabajo, porque el cómic está presente en los medios y en la sociedad, es algo que nunca he conocido aquí. ¿Qué es lo que falla? Fallan muchas cosas pero por resumir diría que es un problema cultural.

KZ- Volvamos a los guionistas con los que has trabajado. ¿Alguna anécdota que quieras contarnos?

JL-Pues no recuerdo nada especial en este momento. Tal vez la única anécdota mencionable no es de ámbito profesional sino más bien personal. Cuando tomé contacto con Raule la primera vez me dijo que su pequeño hijo lleva el nombre de Ander. Yo le dije que también mi hijo se llama Ander, aunque el mío es ya un melenas de dos metros. Me pareció muy curioso porque Raule es catalán y eligió un nombre vasco para su hijo. No pude evitar pensar que estábamos predestinados a encontrarnos.

KZ- Recientemente has comentado que te gustaría retirarte con Arthus Trivium. ¿Por cansancio, harto de tanto dinero o falta de motivación?

JL- Cuando dije eso me refería a que con Arthus Trivium he encontrado una serie a la medida de mis aspiraciones profesionales. Disfruto dibujándola y no me importaría terminar el resto de mi vida profesional dedicado a ella ya que esta serie requiere de todo mi tiempo de trabajo y no me permite hacer nada más.

KZ- Última pregunta y un clásico. ¿Qué debería hacer alguien amante del dibujo que quisiera llegar a tu nivel?

JL- Son muchas las circunstancias que pueden llevar a una persona a dibujar bien. En primer lugar pienso que tienes que nacer con unas determinadas cualidades y capacidades artísticas pero eso no sirve de nada si no las trabajas convenientemente desde muy joven para que den fruto el día de mañana. Para esto pueden ser de gran ayuda buenas escuelas de dibujo. En mi caso yo me eduqué o instruí por mis propios medios, trabajando desde niño porque me divertía mucho hacerlo. Hacerlo así tiene sus ventajas aunque también sus desventajas, es algo que tiene que valorarlo uno mismo. Luego, cuando te conviertes en profesional lo peor que puedes hacer es anquilosarte. Hay que ser muy crítico con uno mismo. Cada día que te levantas y te pones ante la mesa de dibujo el primer objetivo ha de ser intentar hacerlo mejor que el día anterior y si es posible sorprenderte a ti mismo. Por último algo fundamental, conocer y enriquecerse con los trabajos de los grandes maestros de la ilustración y el cómic pero sin intentar imitarlos. A partir de ahí, trabajo, trabajo y trabajo.

Cine freak salvaje: Los violentos de Kelly

     —Para mí, que eso es hacer trampa - titubea ZombiD mientras el Bibliotecario nos entrega un legajo de páginas sueltas y le damos a cambio un racimo de plátanos. 
 
     —No, no lo es. Es servirse de las oportunidades y pensar fuera de la caja. - cuento las páginas cuidadosamente - Sí, están todas; Slenderman nos debe un par de pintas. 
 
     —Pero se suponía que debíamos hacernos con las páginas del modo normal, en su juego... - objeta aún mi novio, mientras salimos de la Biblioteca. Es una gran suerte que el Castillo posea una sala como esa en la que, si uno sabe por qué pasillos buscar, puede encontrar incluso las obras que no se han escrito aún (resulta la mar de práctico cuando tienes un bloqueo y no sabes cómo continuar una historia). 

     —No. Nadie dijo dónde debíamos encontrarlas. Slendy nos retó a encontrarlas todas sin morir, pero no dijo dónde teníamos que buscarlas. El que tuviera que ser forzosamente en su juego, es algo que dio por supuesto él, pero nunca lo mencionó, así que en buena ley, tenemos derecho a buscarlas donde nos parezca. 

     ZombiD sonríe. A Slender no le va a hacer gracia, pero debió haber especificado; él sabe lo asustadiza y torpe que soy con los videojuegos, y pensó que me había ganado antes de empezar, pero dado que sólo dijo "encontrad las ocho páginas" sin más, he decidido dejarme de tonterías e ir directamente donde sabía que iba a encontrarlas sin encontrarle a él. A veces, es mejor saltarse un poco las reglas e ir directos al objetivo, en lugar de dar bandazos en un juego sin sentido. Y eso es lo que hacen Kelly y sus héroes en la película de hoy. Hoy, en Cine freak salvaje, Los violentos de Kelly. 


    Que la guerra no es un juego, ni es bonita, ni es heroica, eso hoy día lo sabemos todos, pero hubo un tiempo en que el sentir general de la población no era ese, sino que la guerra era concebida como algo desagradable, sí, pero necesario en ocasiones, de donde salían hombres fuertes que acometían grandes hazañas dignas de figurar en la Historia y que no hubieran sido posibles de otro modo. Los horrores de las campañas bélicas se minimizaban en pro del romanticismo de estas. A los protagonistas de nuestra cinta de hoy, todo ese idealismo se la trae bastante al pairo, con perdón, porque son ellos quienes están bajo las bombas y saben que de románticas, no tienen nada. 

     Durante la Segunda Guerra Mundial, el degradado teniente Kelly (Clint Eastwood) captura a un miembro de la inteligencia Alemana a fin de obtener información de la región en la que su pelotón se encuentra, pero se darán con otra información mucho más interesante, y es que el alemán tiene en su poder un enorme lingote de oro. Kelly y el sargento Gran Joe (Telly Savalas) le sonsacarán a base de alcohol, y descubrirán que hay un importante botín en oro a treinta kilómetros tras las líneas enemigas. En un principio, Gran Joe se muestra cínico, escéptico sobre ese posible botín, pero finalmente se dejará convencer por Kelly y, ayudados por otros hombres de su batallón y por el excéntrico piloto de tanques Oddball (Donald Sutherland), emprenderán el viaje hacia el dinero, pasando por la deserción y el territorio enemigo para ello. 


      Aunque la película se sitúe en los años cuarenta, fue rodada en la década de los setenta, y tiene todo el sabor desenfadado y antiarmista de la década del pacifismo. Mientras que en el pasado los soldados eran exaltados en su valentía y arrojo, de repente la guerra y todo lo que conllevaba fueron repudiados. Los Estados Unidos habían pasado muchos años en la infructuosa guerra de Vietnam, de donde volvieron derrotados, humillados y, vamos a decirlo, hasta las narices. La población había visto cómo el dinero público era derrochado hasta la saciedad en un conflicto bélico que ni les iba ni les venía, habían visto a sus jóvenes volver rotos de cuerpo y alma si volvían, y se habían sentido como los malos de la película por primera vez al enterarse de los ataques contra población civil, y todo para nada. El apoyar el militarismo ya no era aceptable y los hippies pusieron de moda el "flower power" por todo el país. Una cinta en la que los soldados norteamericanos decidían desertar del ejército en favor de su interés personal, hubiera sido impensable en otra década, y aún así, no se trata de una de las cintas más conocidas de Eastwood precisamente por lo mismo; nunca estará del todo bien visto. 



También los hombres del ejército aparecen retratados aquí de un modo nada convencional; los soldados ya no son los hombres duros, o resignados de antaño. No son hombres obedientes dispuestos a darlo todo por su país, a morir con heroísmo, a luchar hasta el último aliento... son hombres, simplemente. Y la mayoría están más atentos a encontrar un poco de diversión, alcohol y mujeres, que a participar en acciones bélicas; han visto demasiados horrores y caer a demasiados compañeros para tragarse los cuentos del valor y el patriotismo. "Casi todos los héroes que conocí, eran héroes cansados" dijo en una ocasión Íñigo Balboa (El Capitán Alatriste), y aquí nos encontramos con personajes similares. Soldados hartos de luchar, de jugarse la vida día y noche por mover un centímetro más allá sus posiciones, sin ver fruto de sus esfuerzos y sabiendo que a su regreso, no les espera más que desidia y rutina, y eso si consiguen regresar vivos y enteros. Ante la oportunidad de cambiar su suerte, los habrá que en principio duden, pero la mayoría se lanzarán a intentarlo. Por puro cansancio. 



     No obstante, ese reflejo de los personajes como desidiosos y hastiados fue también provocado por
la productora, lo que hizo que Eastwood se mostrase disconforme con el resultado final de la cinta. El metraje original incluía más diálogos de los personajes, que daban información adicional sobre ellos y sus motivaciones, pero la productora los cortó, haciéndoles parecer "un montón de holgazanes" (Clint dixit). Claro está, no podía ser que nadie tuviera motivos sólidos para desertar y que se pusiera al gobierno o al ejército de los EE. UU. como a los malos o los causantes de la misma deserción. No tengo que recordaros que uno de los grandes productores de cine en el país de las barras y estrellas, es el ejército. No se puede hacer quedar mal a quien te pone el pan en la mesa.

 
    La cinta, llena de un humor cínico, bebe en gran parte de los spaghetti-western de Sergio Leone como podemos ver sobre todo al final de la misma, donde encontramos una secuencia al más puro estilo del duelo de El bueno, el feo y el malo; resulta imposible no pensar en Eastwood con poncho y sombrero. No obstante, pese al humor y el tono ligero que en ella destaca, la película no deja de ser bélica y tener escenas crudas y aún emotivas. Se trata esencialmente de una historia de aventuras y, en toda historia de aventuras que se precie, tienen que existir el riesgo y la incertidumbre, de lo contrario no habría emoción. 


     Los violentos de Kelly es una película bien llevada, ágil, con una gran banda sonora (uno de los temas de la misma, Tiger Tank, fue utilizado por Quentin Tarantino para Malditos bastardos), y una historia atrayente y, en conjunto, divertida. Con más de cuarenta años a sus espaldas, es ya cine clásico, pero eso no le resta fuerza narrativa. El contenido violento está aplicado en su justa medida para que, sin perder expresividad, no sea excesiva para los niños, que pueden verla a partir de los diez u once años. Cinefiliabilidad 5, lo que significa que es cine bélico y como tal, siempre algo duro, pero la comicidad y la aventura le quitan aridez y la hacen muy recomendable. 



"Queridos Reyes Magos; este año directamente os mando imágenes para que no os perdáis..."



"Si os habéis creído, nenas, que vais a poder escurrir el bulto porque vuestro último sargento era una mariquita a punto de jubilarse, que pasaba de todo, os habéis equivocado". Si no coges esta frase, tienes que ver más cine. 

Hanshichi. Un detective en el Japón de los samuráis.

Cuando pensamos en detectives es inevitable recordar al eterno Sherlock Holmes. Pero a pesar de la gran fama del personaje de Doyle, no es el único detective literario, tan sólo el más conocido en el mundo occidental. En el lejano oriente tiene un competidor menos misántropo y con un carácter menos marcado quizá, pero muy capaz de rivalizar con él en inteligencia y razonamiento cartesiano. Se llama Hanshichi y es inspector de policía en el Japón de los samuráis.


De manera similar a las aventuras de Holmes, Hanshichi también se enfrenta en cuentos cortos a situaciones en apariencia sobrenaturales, pobladas de fantasmas y mujeres espectrales que siembran el terror en los corazones de aquellas personas que recurren al inspector, en donde Hanshichi no se dejará engañar, y sin más arma que la lógica, sabrá ver siempre la verdad que se oculta detrás de los pretendidos espectros. No obstante, pese a las similitudes que guardan en estilo ambos detectives, Hanshichi, a diferencia del inglés, no parece despreciar al resto de seres humanos solo porque estos no sean tan inteligentes como él, ni siente ningún tipo de animadversión hacia el sexo femenino (está casado, de hecho). Esto le confiere un punto de vista más humano, pero también la priva de parte del marcado carácter que hacía tan único a Holmes.

El autor de Hanshichi, Okamoto Kido, era hijo de un samurái de bajo rango a principios del siglo XX, cuando la edad de los samuráis era ya cosa de un pasado cada vez más lejano. Ajeno pues a la tradición familiar, se hizo periodista y dominó el idioma inglés. Fascinado por su literatura, descubrió a Sherlock Holmes y se prendó de sus aventuras y, con su experiencia escribiendo como periodista, decidió adaptarlo a la cultura japonesa, creando un personaje similar para sus conciudadanos. Kido tenía ya cuarenta y cuatro años cuando se publicó la primera aventura de su personaje, El fantasma de Ofumi. Era un periodista consagrado, pero su fama aumentó gracias a las aventuras del inspector, lo que le hizo abandonar su carrera periodística y pasar a ser solo creador literario.

En aquella primera aventura, "El fantasma de Ofumi", la narración corre a cargo de un joven a quien le fue confiada una historia de fantasmas de su familia y cómo el inspector la solucionó. En dicha historia, una esposa teme por su propia vida, pero sobre todo por la de su pequeña hija, amenazadas por el fantasma de una mujer llamada Fumi, al parecer ahogada en el estanque de su casa, y está dispuesta a abandonar a su esposo con tal de salvaguardar la vida de su pequeña y la suya propia. En un intento de salvar el matrimonio y que no se produzca la deshonra familiar por el divorcio, toda la familia se moviliza en busca de vestigios del misterioso fantasma que atormenta a madre e hija en sus sueños, sin encontrar el menor indicio de él. Cuando el padre de la joven se encuentra casualmente con Hanshichi y le refiere el hecho, al inspector le faltará tiempo para relacionar la apariencia de Fumi con el fantasma de un cuento ilustrado. No obstante, y aunque sea cierto que el terrible dibujo de un cuento ha alterado la imaginación de la pequeña al punto de provocarle pesadillas, existe algo más que aterra a su madre, y Hanshichi también dará fácilmente con ello.

Las aventuras de Hanshichi se fueron publicando por entregas en distintas revistas a lo largo de los años, desde 1916 hasta 1939, eclipsando otras facetas de la obra de Kido (como le sucediera a Conan Doyle con Holmes, y a Agatha Christie con Poirot; está visto que es tradición que los detectives literarios acaparen la fama de sus creadores), como la de autor de teatro kabuki. En vida, él mismo adaptó sus obras al teatro, y posteriormente fueron llevadas al cine y al anime, medio en el que aún persiste, siempre con gran éxito.

Actualmente, las aventuras de Hanshichi han sido reeditadas en dos volúmenes por la editorial Quaterni, de modo que no hay excusa para no disfrutar de las aventuras del detective más famoso de Japón.


Ficha Técnica

Autor: Okamoto Kidô
Edición original de 1916-1939
Quaterni
Hanshichi, Un detective en el Japón de los samuráis (2012) ISBN: 9788494030130
Las nuevas aventuras de Hanshichi. (2014) ISBN: 9788494285813

Mi amigo Capricornio

Mi amigo Capricornio es un tomo unitario publicado por la editorial española Milky Way de un guionista ya conocido en nuestro país, gracias a la labor que hiciera en su momento la editorial Glénat, Otsuichi. El autor es conocido en España gracias a obras como Calling you o Goth, y en esta ocasión se acerca a nosotros gracias a los lápices de Masaru Miyokama en un thriller social con final inesperado.

El chivo de Azazel


   Yûya Matsuda es un estudiante de instituto con una vida normal. Sus amigos y él suelen hacer la vista gorda ante un caso de bullying extremo hacia otro alumno llamado Naoto Wakatsuki, llevado a cabo por Akira Kaneshiro, principalmente por miedo a estar en el punto de mira.

Un día en el que Matsuda vuelve de noche en bici desde una tienda 24 horas se encuentra en un callejón a Wakatsuki, con un bate de béisbol lleno de sangre y cabello humano; aparentemente ha matado a Akira, su acosador. Matsuda ayudará a su compañero a escapar, pero conforme pase el tiempo, se dará cuenta de que la verdad no coincide por completo con la apariencia. 

Opinión


   Como ya nos tiene acostumbrados Otsuichi, nos encontramos ante un manga con una historia en la que no todo es lo que parece y en la cual hay que estar atentos de principio a fin a los detallitos que nos va a ir dejando el guionista a lo largo de toda la trama. Así que ya sabéis, para entender la obra de forma completa, atentos desde la página número 1.

También me gustaría hacer referencia a un cierto realismo mágico en su historia (como también pudimos ver en otra obra anterior, Calling you). En este caso nos encontramos con un elemento casi mágico representado por el balcón de la habitación del protagonista, donde terminan multitud de objetos extraños que se arrastran hasta allí y que él encuentra cada mañana. El desencadenante en este caso de parte de la historia es un trozo de periódico de varios días en el futuro, clave para que Matsuda ayude en su huida a Wakatsuki.

Igualmente, ese recorte de periódico tiene otra referencia clave en la historia. Al dar la vuelta, narra la historia de una cabra que se escapará del zoo, lo que servirá en cierta medida para que Wakatsuki nos explique el mito de Azazel (o del chivo expiatorio) y además darnos la información de que su signo del zodíaco es Capricornio, revelación en apariencia casual pero que al terminar la historia tomará sentido y dará entidad a el título del manga.

Otsuichi suele asociarse a diferentes mangakas para crear sus obras y en este caso lo ha hecho con Masaru Miyokawa, autor desconocido hasta el momento en España.

Mi amigo Capricornio fue publicado originalmente en Japón en el 2014 en la revista Shounen Jump + de Shueisha y ha sido publicado en España en el 2016 por la editorial Milky Way. Tiene 226 páginas, con las dos primeras a color, sobrecubierta también a color y atención especial a las cubiertas del tomo, muy significativas para la historia (lo dejaremos como sorpresita para que lo podáis ver in situ). La traducción, correctísima, corre a cargo de Marc Bernabé de Daruma Serveis Lingüístics SL.

Mi amigo Capricornio es un buen manga, con una historia entretenida y diferente, con un único tomo de extensión a un más que competitivo precio de 8 €. Una gran adquisición para vuestra biblioteca.

Ficha Técnica


Nombre original: Yagiza no Yuujin (山羊座の友人)

Guion: Otsuichi

Dibujo: Masaru Miyokama

Editorial japonesa: Shueisha 2014

Editorial española: Milky Way 2016

Tomos: 13

Género: Seinen

Entrevista a Stjepan Šejić y Linda Lukšić Šejić

El pasado evento de las KBOOM! tuvimos el privilegio de entrevistar al matrimonio croata formado por Stjepan Šejić y Linda Lukšić Šejić en su primera visita a España.

Stjepan Šejić estudió abogacía pero se inició en el cómic como colorista de Tyler Kirkham; inspirado por los cómics italianos recala en Top Cow y empieza con Witchblade. Un período de falta ideas, le lleva a experimentar en DevianArt con Sunstone, convirtiéndose en todo un bombazo.

Linda Lukšić Šejić también empezó como colorista y artista digital. Ha trabajado para Dynamite, Top Cow y Zenescope. Un año nefasto con dos pérdidas personales, le lleva a publicar Blood Stain, convirtiéndose en toda una sorpresa.

KZ- ¿Cómo decidisteis dedicaros al mundo del cómic?

SS- Cuando era joven e iba al instituto, no sabía muy bien que hacer, hasta pensé en ser paleontólogo y empecé a leer cómics y aunque en Croacia no había industria propia, se convirtió en una afición que ya no pude parar.

LL- Primero empecé escribiendo aunque siempre me había gustado dibujar así que empecé a dibujar y colorear.

KZ- ¿Cómo llegasteis al mercado americano? ¿Probasteis primero en su país o pensasteis directamente en el mercado extranjero?

SS- Llevábamos tiempo publicando cosas online y probando, hasta que dimos con un editor. A partir de aquí fue ir llamando a puertas y probando y mucha tozudería, no pudimos parar.

KZ- Sunstone ha sido recientemente publicada en España de la mano de Panini; empezaste a publicarla en DevianArt en el año 2011. ¿Esperabas este repentino éxito? ¿Cómo se produjo el salto al papel?

SS- Ha sido una cosa que no me esperaba para nada. Sobretodo porque los fans empezaron a preguntar cuándo se publicaba, tanto en mis redes sociales como en las de Top Cow, así que decidieron publicarla físicamente presionados por los fans (risas).

KZ- Sunstone demuestra un amplio conocimiento del mundo BDSM, algo a lo que el público que generalmente consume cómics no está acostumbrado , al menos en España. Quien haya leído la historia sabe que más allá de todo, está la preciosa historia de amor de las dos protagonistas, pero ¿qué era a lo que más querían darle relevancia dentro de esta historia?

SS- El romance. En su momento cuando empecé tuve que tomar esa decisión, ya que si no me centraba en una historia del porno, así que me decidí a contar la historia de dos personas que eran fetichistas, es un elemento circunstancial, yo quería contar una historia de amor y lo importante son los personajes.

KZ- Físicamente Lisa tiene un cierto parecido a tu mujer, Linda, mientras que Ally me recuerda un poco a Bayonetta... ¿Te inspiraste en ellas para los personajes?

SS- Sí, en el caso de Linda si me inspiré en mi mujer. Pero en el caso de Ally, no, no me inspiré en Bayonetta. De hecho no me gusta, le veo la cabeza muy pequeña (risas) y tiré del estereotipo de la dominátrix con el flequillo recto, la idea popular de Betty Page; eso sí, no le puse gafas a Lisa porque Linda las lleva y se las puse a Ally. Ambas tienen algo de mi mujer (risas).

KZ- El 2º tomo llegó a las listas del New York Times. ¿Qué te pareció? ¿Esperabas algo así?

SS- Este fue uno de los mejores momentos de mi vida, porque precisamente le comenté a Linda que sería mucho más fácil de promocionar; un cómic de dos mujeres, fetichistas y que encima lo hace un hombre, invita al cinismo.
A partir de aquí me llama el guionista de Rat Queens y me comenta que hay dos cómics míos en la lista del New York Times. Uno era Sunstone y el otro Rat Queens. Fue un shock.

KZ- Sunstone es el primer arco del proyecto. Mercy el segundo. ¿Cómo vas a llamar a la saga y cuántos arcos tendrá?

SS- Pues serán cuatro arcos al final, pero aún no sé como llamaré a la saga. Los arcos llevan los nombres de las palabras de seguridad: Sunstone, Mercy y Jasper; para el cuarto aún no tengo nombre, se me acaban los recursos (risas). Van a coincidir los personajes, pero aún no tengo ni idea.

KZ- Blood stain sigue la misma senda que Sunstone (primero en DevianArt y luego en papel).
Stjepan empezó Sunstone para recuperar las ganas, experimentar. ¿ Cómo surgió Blood Stain

LL- Fue un período muy difícil en mi vida. Hubo 2 muertes en mi familia y esto me afectó bastante y un día Stjepan me dibujó un personaje; esto me motivó y empecé a ponerle un poco de texto, se lo fui enseñando y me comentó que le parecía chulo, que debería ponerlo online y a partir de aquí la respuesta fue muy buena, los fans me fueron animando a continuar.

KZ- Hablemos de Top Cow. Actualmente creo que estás con el proyecto de Switch, que tiene ideas bastante descabelladas. ¿Te dan libertad para ejecutarlas?

SS- Sí, la verdad es que me dan libertad creativa desde hace bastante tiempo; llevamos años trabajando con ellos y siempre nos han dado libertad y tenemos una relación muy buena y de respeto, porque han visto que nos manejamos bien.

Lo de Switch está un poco en pausa porque está sufriendo las bajas ventas. Mi nombre suena a superhéroes y éste no tiene tanto peso, así que a ver si cojo carrerilla y lo relanzamos. Se ha acabado la primera temporada y esperaremos.

KZ- ¿Tenéis nuevos proyectos en mente o sobre la mesa?

SS- Hay algo que de momento no puedo comentar hasta que no pase los filtros oficiales, pero algo he enseñado vía online; cosas grandes que no puedo confirmar, pero continuamos con el segundo arco de Switch, Mercy...

LL- Yo estoy con un proyecto llamado Swing y que se desarrolla en el mismo universo de Blood Stain y Sunstone con guion de Matt Hawkins. Yo dibujo pero también colaboro en ese guion.

KZ- Si alguien quisiera dedicarse al cómic, ¿qué consejo les daríais?

LL- Si lo haces, tiene que encantarte. Va a ser una cosa en la que lo vas a pasar mal.

SS- Jack Kirby dijo que "Los cómics te romperían el corazón" y yo añadiría que el cuerpo también. Es una profesión para los tozudos, si te gusta entra, ve a por ello; si no te gusta, no lo intentes.


Creative Commons License El contenido de este blog está bajo una licencia de Creative Commons
Acorde con la legislación española se informa a todo aquel que haga uso de la página acepta el uso de cookies realizado por la misma. Ley 34/2002, del 11 de julio sobre servicios de la sociedad de la información y de comercio electrónico
- Copyright © Koukyou Zen - Date A Live - Powered by Blogger - Designed by Johanes Djogan -